Articulos por Gustavo Contarelli

J. Edgar

Sat, 04 Feb 2012 11:30:02 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: J. Edgar

Título original: J. Edgar

Dirección: Clint Eastwood

Guión: Dustin Lance Black

Género: Drama / Biografía política– Solo apta mayores de 13 años.

Reparto: Leonardo DiCaprio, Amire Hammer, Naomi Watson, Damon Herriman, Judi Dench, Jeffery Donovan, Lea Thompson, Michael Gladis, Stephen Root.

Web: http://jedgarmovie.warnerbros.com

Fotografía: Tom Stern – Música: Clint Eastwood.

Producción: Imagine Entertainment / Malpaso Productions / Warner Bros.

País: EE.UU. - Año: 2011 - Duración: 136 min. - Estreno Argentina: 26/1/2012

La dirección magistral de Clint Eastwood colisiona con el guión por la impericia de su propio peso. Salvando la crítica, una magnífica obra de autor —referente cinematográfico indiscutible— a la hora de ilustrar la historia del hombre más poderoso de su época.

El género biográfico, posee limitaciones propias. Se sostiene que no se puede crear o recrear libremente como verdad de Perogrullo. Pero cuando en la silla de la dirección está el gran Clint, todo es posible de revisión.

J. Edgar Hoover (1895-1972), —interpretado por Leonardo DiCaprio— fue amo y señor de la Oficina Federal de Investigación (FBI), desde su creación hasta su muerte. La principal rama de investigación del Departamento de Justicia de los Estados Unidos. Nombrado director del FBI, el 10 de mayo de 1924, pronto impregnó al Buró Federal de Investigación de una atmósfera progresista dotándola de un espíritu tecnocientífico. Contrató investigadores armando equipos ad hoc, reclutó científicos para reconstruir la verdad y confrontarla y así, poder perseguir y capturar a los mayores asesinos de la época.

Dirigió con pulso firme la Agencia desde 1924 hasta su muerte en 1972. Durante su longevo mandato, vio pasar nada menos que a siete /ocho presidentes de la Unión y tres guerras. Se jactaba de ser temido por muchos de ellos. Lo sabía y sacaba provecho de tal acontecimiento. Pronto sus “archivos” se hicieron célebres, debido a los inconfesables secretos que atesoraban. Desfilaron en el mismo políticos, artistas, empresarios, periodistas, etc. A fin de cuentas, “el poder de la información”, es el control moral de los ciudadanos.

Richard Nixon le tenía miedo: “el saber proporciona poder y él sabía cosas del tipo más dañino”, declaró cierta vez (1975), un ex subdirector del FBI. El film, muestra las dos caras de Hoover: el hombre fuerte de la política de la investigación y su tortuosa vida de relación social. En un mismo plano una antropología de J. Edgar, se yergue ante nuestros ojos. Nadie se atrevió a reemplazarlo, quizá, por su extraña vida personal y afectiva. Una rápida lectura de la misma se reduce a tres personajes importantes: su madre (interpretada por Judi Dench), la secretaria privada (Naomi Watson), y su mano derecha: el director asociado del FBI, Clyde Tolson Anderson (en la piel de Armie Hammer).

Clint Eastwood, ha retratado con singularidad esa extraña relación interpersonal entre Hoover y Tolson. La homosexualidad manifiesta y la convivencia cotidiana de dos sujetos frente a su compromiso vocacional de Estado. Sin morbosidad y con madurez, resuelve el encuadre. Con otro contexto y abordaje en la biografía de Hoover (ej: su megalomanía, psicopatología, su concepción de poder político, etc.), mayor sería su trascendencia artística. Hay un sinnúmero de hechos (importantes) que deliberadamente son omitidos en el guión.

Casos como los de Malcom X, Mohamed Ali, Charles Chaplin, John Lennon, etc. Como excluyente material que no se inscriben en la dinámica del relato fílmico. La idea es mostrar un J. Edgar más intimista y alejado de tantas conspiraciones. La mirada del director es siempre compasiva, sobre las debilidades y las emociones de sus personajes. No las explota. Una lectura política del cine de Eastwood nos seduce sobre la formación de la conciencia nacional y los valores americanos de época.

El rol de los protagónicos es relevante: Leonardo DiCaprio (como J. Edgar) marca la evolución de este versátil actor. Bajo la construcción de un maquillaje realista se sientan los reales de un personaje insondable. Notable su ladero Armie Hammer (como su fiel mano derecha), Clyde Tolson.

¿Por qué llama tanto la atención a los humanos, cuando los que cometen todo tipo de tropelías, son personalidades notorias y populares? Bertrand Russell, sostenía que la morbosidad era una conducta cotidiana del vulgo. Así lo entendió el talentoso actor y director Clint Eastwood.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 5Tribunas.

Puntaje actor protagónico: Leonardo DiCaprio 5 Tribunas ¡imponente!

Referencias:

5 Tribunas: excelente/imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta - buena

2 Tribunas: regular

1 Tribuna: mala/pésima

Secretos de Estado

Sat, 28 Jan 2012 11:31:31 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Secretos de Estado

Título original: The ides of march

Dirección: George Clooney.
Guión: George Clooney, Beau Willimon, Grant Heslov. Adaptación de la obra teatral Farragut North, de Beau Willimon.

Género: Drama – Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman, Evan Rachel Wood, Jeffrey Wright, Max Minghella.
Fotografía: Phedon Papamichael - Música: Alexandre Desplat.
Producción: Cross Creek Pictures / Exclusive Media Group / Smoke House.

País: EE.UU. - Año: 2011- Duración: 103 min. - Estreno Argentina: 19/01/2012.

Un metraje que cuestiona la naturaleza del poder político de EEUU de ayer, de hoy y siempre. Desde sus orígenes —la mayor y más antigua democracia de las Américas— ha sabido de luchas intestinas en su historia. Con una fuerte imagen a deja vú cinematográfico, lo mejor del film de Clooney, pasó por el andamiaje de sus excelentes actores.

La historia posee un fuerte guiño de la película Power (de Sidney Lumet- 1985). En aquella oportunidad, Richard Gere y Julie Christie, dan vida a una historia muy similar. Pete St. John (Gere), es también un asesor de imagen (inescrupuloso a la hora de fabricar líderes políticos, contratado para campaña de un senador).

En ambos, Secretos de Estado y Power, el diagnóstico del guión es el mismo: el poder genera más adicción que cualquier psicofármaco. El actor y director George Clooney, plantea una trama muy clara. Un brillante y prometedor director de política comunicacional (Ryan Gosling), asesora a un encumbrado político del partido demócrata (Clooney). No sólo desea el éxito en las elecciones primarias, sino también colocar a su jefe en la mítica Casa Blanca. Momento crucial en la narración, es la puesta en escena de un personaje que no pasará desapercibido: una intrépida periodista gráfica, pondrá en jaque las pretensiones del gobernador (Clooney).

The ides of march, es la cuarta incursión de Clooney como director. La dinámica del entramado, es la de un thriller político de denuncia. El insondable camino de la corrupción y la prebenda política, corre su velo tras el ojo inescrutable de una cámara cómplice. El cine es “dispersión” de sentidos, bien lo sabe y lo exige el director. Cuando el espectador pone atención a una arista del film, se disparan otros conectores de sentido en la pantalla. La “política sucia” y su consentimiento tácito del estlablishment. Un demérito en el guión, es no haber fotografiado las caras visibles del “verdadero poder”. Los poderes supra-gubernamentales, manejan como títeres a los candidatos (sean demócratas o republicanos).

Un tridente de lujo: Ryan Gosling, George Clooney y Philip Seymour Hoffman. Acompasados e integrados, por la magnífica dramatización de Gosling.

La película ha cosechado interesantes premios, pese a no ser una obra de excelencia: Globos de Oro (4 nominaciones, 2011); Festival de Toronto y de Venecia (Sección oficial largometrajes a concurso, 2011). Los reconocimientos siempre son un incentivo, y en esta oportunidad, soporta el concepto primordial de la trama: ¿qué hay detrás de los ideales?

Sin dudas, el ingrediente que redime el film del ostracismo son los quilates de los protagónicos. Ryan Gosling, George Clooney y Philip Seymour, hacen las delicias de una platea ávida de drama, pasión y enredos. Un film que bascula entre una ponderación regular a correcta, emerge de las profundidades merced al buen trabajo de sus actores.

Signado por un triángulo amoroso, el detonante de una acción y reacción consumada. Las “polleras” —un viejo truco de autor— para consolidar el sentido de lo jugado. ¿Podrá hacerlo?

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 3
Puntaje actor protagónico: Ryan Gosling 5 Tribunas ¡imponente!

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

Entrevista a Adrián Perucho, experto en series clásicas de TV americana

Thu, 19 Jan 2012 07:45:45 +0300

El arte y el esfuerzo de rescatar las series de culto de TV. tiene marca registrada: “Fuera de Serie”. Su ideólogo, Adrián Perucho. Diplomado en Cine, ha recorrido un largo sendero profesional: fue columnista especializado en Radio Mitre, Radio El Mundo y FM San Isidro Labrador. Participó con éxito en el programa de TV. Tiempo de Siembra – Abril 1999- (Canal 13), sobre su tema insignia: las series de ayer de hoy y de siempre. Fundador y director de la revista Under Cover, donde asienta sus reales como teórico, coleccionista e historiador de cine y series. Dialogar con el, es entrar al “Túnel del Tiempo” de los recuerdos…

¿Cuál fue el disparador de su afición por las series clásicas americanas?

El gran disparador de la afición fue la búsqueda por recuperar aquellas viejas series que ya dejaban de emitirse en los canales. Pasaban los meses y no volvían. Los canales abiertos transitaban en la década del 80 un proceso de producciones propias y las series quedaban relegadas. Otro motivo fue la recuperación de la infancia y la adolescencia. Las series no habían perdido la magia, y esa misma regresa a mi cada vez que veo algún episodio de aquellas buenas series.

¿Cómo investiga los distintos tópicos, y cuáles son sus series referenciales?

Investigo de la manera más fácil: recopilando datos y chequeándolos. Dos o tres libros de TV son indispensables para comprender este mundo de la TV. Si bien internet achicó la distancia al dato, los libros resultan indispensables. Mis series referenciales son “Combate” porque crecí con ella, la miraba todas las noches y porque se encargó de mostrar como se podía vivir y morir en el frente. Sin dudas, “La Familia Ingalls” por su cálido mensaje. Nadie podía obviar la construcción de los mismos. La familia, el pueblo, la comunidad, la Iglesia. Entregaba buenas dosis de alegría y drama. Otra serie indispensable de aquel tiempo era “SWAT”. ¿Quién no quería tener una gorrita de aquellas? Su música es una referencia inigualable. Y el camión lucía espectacular. La serie tenía buena acción. En la década del ´80 caí rendido a los pies de “Los Profesionales”. Encontré lo que no había en “Starsky & Hutch” (que también me gustan), porque Los Profesionales se encargaba de mostrar una Inglaterra marginal, no tan impecable y crítica.

¿A su criterio, qué les falta a las sitcom (comedias de situación / enredos) de la actualidad para igualar el éxito de aquellos relatos? ¿Se pueden editar los mismas historias de antaño, con similar aceptación popular?

Las sitcom de hoy día posiblemente son mejores que las de antaño, pero no tienen la magia necesaria, ni los actores, ni los personajes. Tampoco existen aquellos clics de viejos personajes como Maxwell Smart o Mork, por citar algunos. Las historias de hoy son mucho mejores, pero carecen de actores y actrices con el nivel de aquellos. No tienen regreso. Es imposible una adaptación. Desde que se sumo la continuidad en el relato se perdieron un montón de hitos de la televisión como el vestuario. Ellos lucían siempre la misma ropa. No es necesario que readapten. La risa es difícil de igualar. Las de acción pueden ser.

¿Hay series de otras procedencias, que puedan competir con las americanas? - ¿Por qué se deja de rodar una serie; cuáles son los entretelones que no sabe el público?

Sí, hay muchas series inglesas y varias australianas que han sido exitosas en todo el mundo. Basta mencionar a “Los Vengadores”, “El Prisionero”, “El Barón”, “Dos Tipos Audaces” o “Los Profesionales”. Y de Australia se rescatan “Helicóptero de Rescate”- o bien en blanco y negro-, “Skippy” el Canguro. De hecho más de un 50% de las series estadounidenses se filman en Canadá (ejemplos: “X Files”, “Smallville”).

Generalmente las series se dejan de rodar por dos motivos: falta de audiencia o acumulación de episodios. En cuanto a esto último, en Estados Unidos existen “los canales de sindicación”, que son aquellos que recompran los derechos para emitirlas, luego que las grandes cadenas las cancelan. Esos canales, tienen una influencia regional (lo que aquí seria canal 8 de Mar del Plata, etc.) y permite una rápida recuperación de la inversión de un producto ya amortizado. Suele decidirse una cancelación tras la barrera de los 100 episodios. El mínimo requerido para los canales regionales...

Este formato no ha tenido buena acogida en la producción nacional: ¿es así o hay series argentinas de culto? (Pienso sólo, en el magnífico producto: “Los Simuladores”…).

Es correcto lo que decís, pero hasta en “Los Simuladores”, hay un gran guiño a las viejas series. Tiene un aire a “Brigada A”. En Argentina sabemos hacer novelas. Nunca supimos hacer series. De hecho, todos los productos argentinos de hoy, contienen un aroma a las series clásicas. Y es consecuente con el hecho de que quienes manejan las productoras y los canales son gente que ha nacido con las series.

Adrián, ¿qué significó profesionalmente el éxito de su programa radial “Fuera de Serie” (primera temporada, y la actual…).

La primera temporada fue un boom inesperado. Propusimos algo distinto. Un volver a vivir desde un punto de encuentro con el oyente. El dato fluía a la velocidad de la luz. Hicimos 26 programas. En esta segunda etapa, “Fuera de Serie” está comenzando ese camino una vez más. La gente se prende. De alguna manera evocamos momentos que nos hicieron felices y por algo también es que permanecen intactos en la mente. Vamos al aire todos los miércoles de 21 a 22 por Simphony 91.3. Una excelente experiencia. Hacer “Fuera de Serie” es coronar el sueño del pibe. Que iba a saber en la década el 70 o del 80 que treinta años después iba a estar contando ese presente. El programa propone un cálido recuerdo y con rigor informativo. Un error es imperdonable y un olvido más aun. Le dicen autoexigente, ¿no? (risas)

Pasamos a los contenidos y formatos de la TV nacional. En el “horizonte de sucesos” de la manipulación está la (des)información de los noticieros. Liderados por periodistas deportivos que banalizan la noticia, pro infoentretenimientos (por ej.: el impresentable Germán Paoloski.

La TV nacional está pasando por unos de sus peores momentos. No hay producciones de buena calidad excepto algunos productos de Canal 13. Pero sería un buen punto poder ver si esa calidad es una aguja en un pajar debido a la escasa propuesta nacional. El televidente siempre ha sido manipulado. Desde los tiempos de SWAT. Pero el cable equilibra las fuerzas con buenas propuestas que permiten cierto aire al televidente. Creo que si no hubiera cable, la televisión argentina ya se habría extinguido. Entre la repetición sistemática de Tinelli y los varios programas de archivo, la tele local ha entrado en una franca decadencia. En el caso de los noticieros, la tecnología ha superado ampliamente los recursos narrativos e informativos. Es mucho más fácil mostrar que hacer o investigar. Parece ser que es preferible que alguien más lo hago por uno. También es cierto que la utilización banal de internet y la ruptura del sistema educativo nos han puesto al borde del precipicio. El lenguaje es cada vez más pobre y lamentablemente la televisión resulta invasiva y abusadora de las buenas costumbres.

¿Cómo ve el fenómeno actual de los artistas genuflexos al poder político de turno? (en este caso al “poder K”: ¿la ética ya no cuenta?)

Es un fenómeno nunca visto. Ni siquiera en la década del 90. Hay como una devoción al mito. ¿Qué mito? No lo sé. También hay un claro ejercicio del poder.

¿Por qué posee tanta repitencia las películas de canal 11 (TELEFE), hasta dos o tres veces en poco tiempo? ¿Es adrede?).

No. Si bien manda el rating, las películas y las series se compran por una cantidad de pasadas (emisiones), en un lapso de tiempo predeterminado. Eso le pone el precio al producto. Y generalmente comprar un tanque de Hollywood trae consigo dos películas de baja calidad o alguna serie pérdida de estos tiempos.

Como las grandes series televisivas, la conclusión de este relato es abierto. Siempre hay una argumento superador: ”'Estamos viajando hacia una dimensión, distinta a la del mundo de la visión y del sonido. El reino maravilloso de la imaginación. La dimensión desconocida”. La dimensión Fuera de Serie.

A su juego lo han llamado: rigurosidad en la producción de Fuera de Serie. Un sello indeleble de calidad que deleita a la audiencia.

Gustavo Contarelli

Adrián Perucho (der.): en el portal de la radio, posando junto al periodista de Tribuna (Gustavo Contarelli).

Más info:

Revista Under Cover

Director: Adrián Perucho

info@revistaundercover.com

www.revistaundercover.com

Programa Fuera de Serie: miércoles de 21 a 22 por FM Simphony 91.3.

Conducción: Adrián Perucho, ad látere: Rafael Daloi.

50/50

Sat, 14 Jan 2012 10:20:03 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: 50/50

Título original: 50/50

Dirección: Jonathan Levine

Guión: Will Reiser

Género: Drama, Comedia – Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Joseph Gordon-Levitt (Adam), Seth Rogen (Kyle), Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard, Anjelica Huston, Marie Avgeropoulos, Philip Baker Hall, Jessica Parker Kennedy, Brent Sheppard, Neil Corbett, Ryan W. Smith.

Fotografía: Terry Stacey - Música: Michael Giacchino.
Producción: Nathan Kahane, Will Reiser

Montaje: Zene Baker - Productora: Mandate Pictures, Point Gray

País: EE.UU. - Año: 2011- Duración: 99 min.- Estreno Arg. 05/01/2012

Una auténtica comedia dramática de manual, donde hay un similar balance entre el contenido humorístico y el dramático. El autor nos hace reír, emocionar, y llorar, en el mismo espacio temporal. Indispensable para repensar la condición humana a la luz de la vida y la muerte.

50/50 ("Fifty Fifty") es un registro fílmico diferente, basado en experiencia de sus autores (Will Reiser, guionista del metraje, y su amigo Seth Rogen, quien encarna al amigo del protagónico en la ficción). Nos intima a una deontología universal, donde el amor y la amistad, se inscriben en una misma dirección, como valor supremo.

Una historia de vida y de valores. De profundidad conceptual y aleccionadora, es la propuesta del director Jonathan Levine. Dos amigos inseparables, Joseph Gordon-Levitt —Adam— y Seth Rogen —Kyle— cuyas vidas entran en la vorágine del cambio, tras un diagnóstico de cáncer espinal de Adam. La salud y la enfermedad, como excusa para un viaje a tierras insondables, llena de aventuras y sinsabores. Lo que subyace es la esperanza. No una esperanza fatua, sino revalorizada por la resiliencia de lo vivido.

Para espectadores desprevenidos, pasará libremente la dureza diagnóstica del médico de Adam. La crudeza sajona, expresada en la modalidad del acto médico. Sin circunloquios, fijando la mirada en el paciente, se transmite la gravedad de la enfermedad. Al tiempo que se fija al instante una metodología de abordaje del tratamiento. La verdad, es el valor en sí, y también la técnica de la comunicación. Realidad y comunicación, una estética que atraviesa el guión.

El texto tiene la frescura del cine indie (del ing.: Independent, independiente). Generalmente se maneja con bajos presupuetos, y a espalda de la gran industria (Hollywood). Políticas de incorrección, romanticismo ingenuo, descomprimen un relato que asedia. No importan las etiquetas a priori, lo conducente es la obra fílmica en sí, como concepto a transmitir.

Otro punto a destacar es la sobresaliente actuación de los protagónicos. La empatía manifiesta de Joseph Gordon-Levitt y Seth Roge; la infidelidad de Bryce Dallas Howard (¡visto en un parlamento exquisito, triangular y de lujo! que levanta a la platea); y la dulce y agradable compañía de la terapeuta Anna Kendrick (“transferencias” sensuales con el paciente, de por medio).

Una curiosidad aparte, es la presentación de Gordon-Levitt bastante transformado. Su fisic du rol adaptado al personaje; al tiempo que Bryce Dallas —quien parece ser siempre el “objeto de odio” elegido por los directores— y la más vituperada por el público…

Un rosario de premiaciones adornan a esta cinta: Globos de Oro (2011), dos nominaciones, incluyendo Mejor película (comedia / musical); 2011: National Board of Review: mejor guión original; 2011: Independent Spirit Awards: nominada a mejor película, guión novel y actriz secundaria.

El texto no posee golpes bajos, ni afectación morbosa. Pese a la “morbimortalidad” 50/50 —del cual toma su nombre la película— el porcentaje de vida o deceso del paciente. El determinismo médico, como disparador de emociones humanas, y gags visuales. El humor a través de imágenes (con uso de palabras o sin ellas). Las comedias son un espacio fértil para este tipo de comunicación visual.

Pero sin lugar dudas, donde el metraje posee su anclaje final, es en el dispositivo de la música como conector de sentido. La diversidad de temas musicales (de culto en su mayoría), potencia a la narración visual, al tiempo que despunta una nueva línea discursiva. Es otro texto, una nueva lectura. La narración musical como nuevo relato, es un gran hallazgo por cierto.

Hay signos de lenguaje cinematográfico de interés: las catch-phrase (“frases cazadoras”, lemas o eslogan). Son expresiones originadas en la cultura popular decodificadas por todos. Producen unificación de sentimientos y emociones. 50/50 posee interesantes guiños en este sentido. Es una manera “saludable” de comunicación, ante la atmósfera de incertidumbre causada por la enfermedad.

Para concluir: la idea-fuerza planteada por este film, es la esperanza y la transformación dentro de una realidad que merece ser explorada. Un manifiesto de la voluntad, de amistad y amor.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 5
Puntaje actor protagónico: Joseph Gordon-Levitt (Adam) 5

Referencias:
5: excelente/imperdible
4: muy buena
3 correcta - buena
2: regular
1: mala/pésima

El juego de la fortuna

Sat, 07 Jan 2012 09:27:26 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: El juego de la fortuna / Rompiendo las reglas

Título original: Moneyball

Dirección: Bennett Miller
Guión: Aaron Sorkin, Steven Zaillian (Libro: The art of winning an unfair game, de Michael Lewis).

Género: Drama – Apta para todo público.

Reparto: Brad Pitt (Billy Beane), Jonah Hill (Peter Brand), Philip Seymour Hoffman, Robin Wright Penn, Chris Pratt, Kathryn Morris, Tammy Blanchard, Glenn Morshower, Erin Pickett, Sergio Garcia.

Fotografía: Wally Pfister - Música: Mychael Danna.
Producción: Michael De Luca Productions / Scott Rudin Productions / Specialty

Films. - Web Oficial: http://www.moneyball-movie.com/

País: EE.UU. - Año: 2011- Duración: 133 min.- Estreno Arg.: 12/2011

El juego de la fortuna es el film “del optimismo”: las adversidades, los sinsabores, todo quedan en el olvido. Es el optimismo, sembrado por el poder del conocimiento y las estadísticas científicas, que cambian la realidad social de los individuos y su circunstancia. Una historia apasionante desde los créditos, pero con una narración algo distraída del gran relato final.

El film de la Columbia Pictures, hunde su cimiente en la historia real de Billy Beane (Brad Pitt), un frustrado súper estrella de béisbol, ahora enfocado a mánager (administrador) del equipo de los Oakland Athletics. Al iniciar la temporada 2002, Billy es anoticiado de la sangría de jugadores de su equipo, que migrarán a otros lares. Sin sus jugadores estrellas (reclutados por poderosos equipos de las grandes ligas americanas), debe imperiosamente contar con un plan B.

Cualquiera que conozca los rudimentos básicos de la administración de una organización, sabe que el primer y último escollo a derrotar es “la resistencia al cambio”. Resistencia que involucra desde el Director Técnico (Philip Seymour Hoffman), que no creía en los nuevos conceptos; tampoco los colaboradores inmediatos. ¡Si hasta los jugadores no entendían cuáles eran los soportes de ese “cambio”!

Billy asume la pesada tarea de desafiar a lo conocido hasta el presente. Con un magro presupuesto, ¿cómo podría competir con los grandes equipos de la Liga? Este acertijo, pronto será resuelto. Aparece en escena, un pesonaje singular: Peter Brand (Jonah Hill), un economista obsesivo por las estadísticas y matemáticas, aporta “la buena nueva” para redimirlos.

Con una diplomatura de la Universidad de Yale, convence al desesperado mánager del jugoso fruto del éxito, apelando a la criteriología científica manifiesta. Es decir, la necesidad de cambios en la plantilla, según la perfomance de cada jugador. Así, aquellos jugadores de campo que no poseían crédito en el medio, son tenidos en cuenta pero en puestos diferentes, donde los mismos pueden revertir el estado de la cuestión. Todo un desafío de cara a la resistencia interna y externa (la prensa).

La cinta viene conquistando múltiples adhesiones a su paso. Primero brilló en el Festival de Toronto, que indica un buen camino hacia el ansiado Óscar. Posee una condición excluyente para Hollywood: “un drama con raigambre histórico y nacional”. Donde el americano medio, se ve identificado con un tema popular. Pese a ello, notamos que la obra de Bennett Miller no cuenta a priori, con la legitimación estética para tales pergaminos.

Con la licencia debida, puesto que se ha vertido léxico científico, no aceptamos postulados contrafácticos. Pero con este guiño afirmamos: si el director de El juego de la fortuna, hubiese sido Clint Eastwood, otro vuelo tendría el pájaro del éxito. Pienso por un momento, en su magnífico rodaje Invictus. Toda esa parafernalia dialéctica y estética en conjunción, es el valor agregado que brilla por su ausencia en la película de Millar. Por ej: mal utilizado el espacio físico del campo de juego de de los Oakland, no hay “sonido a estadio” y por consiguiente, baja la tensión en la narración. Y con ello ausencia de quiebre en el espectador. El “Viejo” Clint, ¡como se hubiese divertido con este acápite…!

Brad Pitt (Billy Beane), Jonah Hill (Peter Brand): un simpático dueto con gran empatía, coronan al estrellato a un modesto equipo de las ligas mayores

El sentido último que nos propone el texto, es el tema del “cambio”. Cambia la cultura y el clima organizacional, al tiempo que propone el contagio a estratos superiores de la misma: jugadores, cuerpo técnico y hasta el presidente de la institución. ¿Y la resistencia de la que hablamos? La respuesta, en “rompiendo las reglas” y en el agudo espectador.

Podrá adherirse a esta idea o no. Pero de lo que no podemos dejar de estar de acuerdo, es en la inmejorable idea-fuerza del conocimiento como hilo conductor a una determinada empresa. Sea una fábrica, un colegio, y hasta un equipo de béisbol.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 4
Puntaje actor protagónico: Brad Pitt (Billy Beane) 5 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

La piel que habito

Sat, 31 Dec 2011 08:24:13 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: La piel que habito

Título original: La piel que habito

Dirección y Guión: Pedro Almodóvar / Novela original: Thierry Jonquet

Género: Drama /thriller – Apta para mayores de 16 años.

Reparto: Antonio Banderas (Dr. Robert Ledgard), Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Eduard Fernández, Fernando Cayo, José Luis Gómez, Bárbara Lennie, Jan Cornet, Roberto Álamo, Susi Sánchez, Isabel Blanco, Teresa Manresa, Ana Mena, Violaine Estérez, Buika, Jordi Vilalta, David Vila, Silvia Jofre. - Montaje: José Salcedo.

Fotografía: José Luis Alcaine A.E.C.

Música: Alberto Iglesias.

Producción: Agustín Almodóvar

País: España - Año: 2011- Duración: 117 min.- Estreno Arg.: 12/2011.

La piel que habito es la última película de Pedro Almodóvar. Un thriller multicultural, que nos coloca ante el “efecto Pigmalión”: la búsqueda incesante de la belleza, coqueteando con el realismo fantástico. Una superposición de subgéneros en mutación que dejan sin punch al gran relato fílmico. La desambiguación, otra vez hizo de las suyas en la obra del director español.

La trama es clara: el Dr. Robert Ledgard (Antonio Banderas), eminente cirujano plástico, descubre una técnica quirúrgica (la transgénesis), que le permite crear epidermis humana mediante síntesis en su laboratorio. Tal obsesión se despertó en él a raíz de la muerte de su amada mujer. Dicha práctica de cirugía dermatológica, está prohibida por ley. De manera que debe experimentar en su laboratorio como un Frankenstein moderno. Lo peor de todo es que no será la única ley violada por Ledgard, en su afán por llegar a la perfección estética.

El eminente profesor universitario y cirujano, esta vez trabajará de una manera especial. Su “objeto de estudio” no es una mujer sino un varón con rasgos femeninos… ¡Otra vez, la mano de un Almodóvar que intenta provocar a la platea! Los sentimientos de los sexos y los géneros entran en pugna, y con ellos, toda la producción de subjetividad de los valores.

El presente thriller dramático nos retrotrae a estéticas pasadas: la morbosidad del “relato negro” que despuntaba Almodóvar en Matador (1986); Átame (1990), Carne Trémula (1999), Los abrazos rotos (2009). En todos ellos, lo que subyace es la búsqueda y el control de sus múltiples obsesiones/compulsiones sobre el otro, controlar toda pulsión sexual, lo distinto. Incluso, los signos vitales (¡si se pudiera!).

El panóptico moral es un partenaire de lujo en el cine de Almodóvar. Esa búsqueda constante o revisionismo de género apuntado, no siempre tiene éxito como en esta oportunidad. Los argumentos intelectuales del director, se repiten y se tornan un bluff. Pasa de un iconoclasta a un falso representante de la cultura dominante.

Un punto de inflexión (innecesario por cierto), lo da esa afectación de colocar personajes (secundarios), sin ningún valor heurístico en la escena. Nos referimos al “rol del actor” de Roberto Álamo: un sujeto “escapado” de una murga que precipita el guión al histrionismo como en un instante es su fuga del relato. ¿Y qué nos ha dejado su presencia? Nada por cierto, sólo un supernumerario sin sentido que no legitima ni su bolo. Una vez más, Almodóvar termina siendo prisionero de su impericia.

Elena Anaya: excelente labor en un drama deslucido. Su partenaire Banderas, no supo o no pudo, remontar un protagónico que lo tuvo algo confundido.

El demérito primordial del texto, es sin dudas la “construcción del verosímil”: lo que se vive como real por el público, sabe a fantasía. No es creíble. Y a partir de ahí, todo el andamiaje posterior de definiciones, elogios y críticas queda tamizado por este aserto. La realidad, el drama, y el asedio de la ficción y hasta el absurdo, es un cóctel difícil de amalgamar. Es torpe. Por más flashback bien intencionados, diálogos inteligentes y profundos, si se los corona con histerismo escénico, cae en cliché. Una y otra vez.

Pedro Almodóvar demostró con este film, que se articula más al cine comercial que al de autor. Todo un síntoma, todo un símbolo a la hora de conceptualizar su obra. La inteligencia y la producción estética no siempre van de la mano de la pretendida seriedad, y a la buena prensa de un determinado autor.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 3

Puntaje actor protagónico: Elena Anaya 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas: excelente/imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta - buena

2 Tribunas: regular

La última noche

Sun, 18 Dec 2011 10:29:39 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: La última noche

Título original: Last Night
Dirección, guión, producción: Massy Tadjedin

Género: Comedia romántica – Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Keira Knightley (Joanna), Sam Worthington (Michael), Eva Mendes (Laura), Guillaume Canet (Alex), Griffin Dunne.
Montaje: Esmeralda Calabria.

Montaje: Susan E. Morse.
Fotografía: Peter Deming – Música: Clint Mansell.
Producción: Gaumont, Nick Wechsler Productions.

País: EE.UU. /Francia - Año: 2010- Duración: 90 min.- Estreno Arg.: 8/12/11

Comedia romántica, digna de recomendar por su adultez y profundidad conceptual. Last Night es la ópera prima de la talentosa guionista y productora iraní-americana, Massy Tadjedin. Su templado pulso nos trae una historia de encuentros/desencuentros; antiguos amores que asedian a la nostalgia en el momento menos pensado.

En New York, el amor de un matrimonio burgués se pondrá a prueba. Una noche en la que el marido, Michael (Sam Worthington) realiza un viaje de negocios con Laura (Eva Mendes), su sensual compañera de trabajo. Al tiempo que su esposa Joanna (Keira Knightley), se encuentra con un antiguo ladero de aventuras, Alex (Guillaume Canet). Ambos, estarán tentados por sus irresistibles acompañantes. Atravesando una interminable noche, el fruto prohibido, será exhibido y deseado.

¿Habrá límites en este el proceso de seducción? ¿Sus respectivas conductas, harán mella en su posterior vida de relación? Jugando con esta consigna, es la propuesta inteligente del intríngulis de Tadjedin. Una novel directora que asoma en el horizonte de Hollywood. ¿Será la Julie Delpy americana? Cierto es, que posee rasgos de la talentosa directora, productora y actriz francesa. De la cual soy ferviente admirador. El tiempo lo dirá…

Un análisis transversal sobre las implicancias del amor posmoderno: la ponderación de las relaciones interpersonales y la revaloración de una semántica que parece obsoleta. Mundos que se disipan y resignifican, merced al confronto de agudos parlamentos que atrapan al espectador.

La pareja que disfruta del sueño americano se ve jaqueada por las mieles de un pasado que vuelve. Llama a su puerta y todo puede suceder, en el momento menos pensado. ¿Y lo cosechado hasta entonces? Términos como fidelidad, compromiso, contrato social ¡todo puede cambiar!

Amor, sexo, compromiso e intereses, se cruzan en impecable narración. Un argot de recursos salen a la palestra: el juego de planos y contraplanos (para contar en un mismo tiempo real, las vicisitudes de las dos parejas en pugna). La estética planteada por la directora, nos coloca ante una obra sólida, sin fisuras y bien presentada a los sentidos.

Es la hora de los intercambios de roles, de la “seducción cruzada”: Joanna, no atiende el celular. Del otro lado su pareja (Michael) —en definitiva, “el juego del gato y el ratón”— que precipita los acontecimientos.

Tiempo de la inducción musical. El recurso de la música como conector de sentido del film. La composición del lenguaje se nutre de las notas y las frases cristalizadas. Una amalgama singular para entender “el gran relato” de la trama. Una frase (catafórica) de Michael signa todo el metraje. “Sólo porque no estoy de acuerdo contigo, no quiere decir que tenga razón”. Los parlamentos no son vehiculados por violencia narrativa, sino por una lógica que reflexiona en cada escena. Todo un hallazgo positivo.

Hay “frases cazadoras” dentro del texto que proponen otros temas a explorar. Surgen en su mayoría de los dialogos de los protagonistas. Por ej: Guillaume Canet (Alex) —que corteja a Joanna— sentado cómodamente en un sillón con su amigo. Nos ponen siempre en la disyuntiva. Lo que subyace es el difícil tema de la “elección”. El ser humano debe elegir. Y en la elección siempre hay algo que se pierde. Y ese punto, es el aliado precioso de la nostalgia y el sufrimiento (¿?).

Para no sobrecargar de angustia a los personajes, una buena idea ha sido la ilustración erótica en la pantalla. Descomprime de angustias al relato: ver a la exquisita Eva Mendes (Laura) en la piscina, seduciendo a Michael, no es agresiva. Está muy cuidada. Una seducción lenta, endulzada y placentera, se yergue ante nuestros ojos. La geografía de la cubano-americana, en la espléndida Manhattan, rebalsan de sensualidad y ¡como!

Keira Knightley (Joanna): alta dramaturgia en la epidermis de la notable actriz inglesa. Joven, brillante e inteligente, corona una carrera sembrada de pergaminos internacionales.

Una notable perfomance de Keira Knightley —como broche— para este cuarteto que nos propone repensar el amor de pareja. Las posibles mutaciones del amor. La urgencia y el cambio de roles en una sociedad que necesita replantear sus conductas.

¿Monogamia ingenua o polienamorados? La respuesta, en cada una de nuestras neuronas.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 4
Puntaje actor protagónico: Keira Knightley (Joanna) 5 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

Si fueras yo

Sat, 03 Dec 2011 10:29:37 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Si fueras yo / El cambiazo / juegos de roles

Título original: The change-up

Dirección: David Dobkin

Guión: Jon Lucas y Scott Moore.

Género: Comedia – Apta para mayores de 16 años.

Reparto: Ryan Reynolds y Jason Bateman, Leslie Mann, Olivia Wilde, Alan Arkin, Mircea Monroe, Gregory Itzin, Ned Schmidtke, Ming Lo, Sydney Rouviere, Sydney Rouviere, Dax Griffin, Andrea Moore.

Montaje: Esmeralda Calabria.

Web Oficial: http://www.thechangeupmovie.com/

Fotografía: Eric Alan Edwards – Música: John Debney.
Producción: David Dobkin y Neal H. Moritz

País: EE.UU. - Año: 2011- Duración: 112 min.- Estreno Argentina: 27/10/2011

Una clásica comedia de enredos de manual de cine. De buen ritmo, que no se diluye en compartimientos estancos. Siempre va por nuevas aventuras en línea. De todos modos, hay cierto dejavú que transita la pantalla: la “transmigración de las personalidades”, salpican un texto que lo hacen previsible.

La historia es una condensación del título. Es la vida de un profesional americano felizmente casado, que intercambia su cuerpo con su mejor amigo. Mitch (Ryan Reynolds) y Dave (Jason Bateman), son amigos desde la tierna infancia. El primero —un actor crónico de películas porno soft—, no encuentra darle rumbo a su vida, y no concilia empatía con su padre. El segundo, un exitoso abogado de una mega compañía, que en apariencia lo tiene todo.

Mitch, cree que su amigo es muy feliz y no carece de necesidades importantes: poseedor de una preciosa mujer llamada Jamie (Leslie Mann), unos hermosos niños —aunque hiperquinéticos— y un trabajo en un prestigioso bufete que hace posible el “sueño americano”.

Dos composiciones de sujetos disímiles en primera instancia, ven que comparten sueños en común. Quieren tener nuevas aventuras. Uno desea tener la vida del otro. Una remozada vida despuntará ante sus ojos. Y con ello, “el gran cambio” o trueque de cuerpos se consuma. El gran cambio, lo propone el buen ritmo y las actuaciones contra un guión de cosas ya vista.

Un condimento especial es la impronta en escena de la bella secretaria de Dave: Sabrina (Olivia Wilde), una sensual abogada que suspira por su Romeo, no correspondido. Este nuevo actor, transita en un triángulo cómico-dramático. Es el “juego de roles”, el intríngulis por resolver.

A partir de la consolidación de este triángulo, el guión de la comedia levanta puntuación. Hay una meseta temporal —signada por espacios muertos que no suman— que hacen clivar un texto que pudo aspirar a más.

Desde el lenguaje cinematográfico, los instantes más preciados sin dudas, lo conforman los parlamentos íntimos entre las respectivas parejas de los protagónicos. Drama e histrionismo asociados, potencian la narración. Es el momento donde las “caretas” de los individuos se disipan y patentizan sus miserias y grandezas. Todo un logro por cierto.

Retomando ideas y lugares comunes, en el cine de Hollywood, parecería ser que todos los temas importantes, se tratan mejor bajo un reguero de alcohol. Si bien es cierto que el líquido etílico excita, también deprime. De igual manera, las imágenes cristalizadas de grandes tormentas y noches cerradas. De todas formas, la suficiencia actoral los libera de esta pesada mochila. “El cambio”, hará que el espectador vea la vida de forma diferente.

Jason Bateman (Dave): un multiplicador de roles. Siempre bien parado en una comedia algo deslucida, que cumplió con creces el rol del actor.

Es un error bastante habitual, el creer que en este tipo de géneros, no se pueden hallar “perlas” o grandes conceptos a transmitir. No siempre de los clásicos universales se desprende la axiomática. La verdad de The change-up, lo dá la última escena en la fuente de los deseos: para vivir, “primero hay que sufrir, después amar, después partir y al fin andar sin pensamiento…”

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 3
Puntaje actor protagónico: Jason Bateman (Dave) 4 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

Habemus Papam

Sat, 19 Nov 2011 10:59:01 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Habemus Papa

Título original: Habemus Papam

Dirección: Nanni Moretti

Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Federica Pontremoli.

Género: Comedia – Apta para todo público.

Reparto: Michel Piccoli (el Papa) y Nanni Moretti (el psicoanalista), Jerzy Stuhr, Renato Scarpa, Margherita Buy, Franco Graziosi.

Montaje: Esmeralda Calabria

Fotografía: Alessandro Pesci – Música: Franco Piersanti.

Producción: Jean Labadie, Nanni Moretti y Domenico Procacci.

País: Italia, Francia - Año: 2011- Duración: 104 min.- Estreno Argentina: 2011

Una comedia italiana de antología. Guardando la clásica estética de los setenta, ahora remozada con la genialidad de un creador singular: Nanni Moretti. El histrionismo y el drama, se asocian para deleitarnos en un espectáculo de notable jerarquía cinematográfica.

Habemus Papa narra las desventuras del sucesor del apóstol Pedro. Tras las exequias del antiguo obispo de Roma, el cónclave cardenalicio aclama al nuevo pontífice. Y con este aconteciendo, lo inesperado: el nuevo Papa (Michel Piccoli), es capturado por una madeja de trastornos: vocacional, depresión, angustia, etc.

El guión plantea varias aristas: el concepto de “infalibilidad pontificia” – por un lado-, y las vacilaciones de la persona humana por otro. ¿Un Papa, puede ser presa de una crisis existencial /filosófica? Sólo queda a salvo su religión. Con esta semiología, la curia romana contrata los servicios de un médico psicoanalista, el Prof. Brezzi (Nanni Moretti).

Tras la primera sesión psicoanalítica, hurga en la profundidad de los rituales religiosos de la Santa Sede. Hay confrontos psicológicos entre el profesional, el Papa y sus prosélitos. Momentos cruciales del texto, donde es atravesado por las imposturas de la tradición y la fe.

Hay y un largo interregno entre que es elegido el nuevo sucesor de Pedro, y la consabida bendición Urbi et Orbi. Esa espera, es la lección cinematográfica que nos propone Moretti. El Papa, preso de sus cavilaciones, está lejos del século. Con magistral pulso, combina las contradicciones de la tradición religiosa, con el modernismo que la asedia. Pone en voz del psicoanalista (agnóstico militante), un fino humor que alecciona. Generando una identificación instantánea con el espectador. Confrontación ideológica, pero con respeto. Sin plantear falsas divisiones de proyectos antagónicos: “unidad en la diversidad”.

Una historia profunda y cognitivamente simple. Esta es su gran virtud. Se precipita en temas centrales de la Iglesia católica, pero no asfixia. Deja lugar a la reflexión a corto y largo plazo. A la institución más antigua de occidente, se le pude entrar por muchos lados. No es la misión de Moretti el revisionismo histórico. Va por algunas ideas sumamente atractivas: “la libertad, la autodeterminación de los miembros de la iglesia, su felicidad” No es poco. Todo un hallazgo por cierto.

A esta altura, el lector se preguntará: ¿pero a fin de cuentas, qué le sucede al Papa? El diagnóstico bascula entre: depresión, TDAH: Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad…Todo puede ser. ¿Y el aspecto vocacional? El Sumo Pontífice (el cardenal Melville), sólo parece feliz, cuando interactúa con la gente de incógnito. Visita teatros, cuyas marquesinas anuncian obras de Antón Chéjov. En sus años mozos, había estudiado arte escénico. Ahí se lo percibe desestructurado y suficiente. Ningún trastorno se corporizaba. ¿Y entonces?...

Hay un instante de quiebre, propiciatorio: la música. Un recurso inestimable que bajo el influjo del tema musical. “Cambia, todo cambia…” (en la voz inestimable de Mercedes Sosa), signa una escena memorable: los cardenales alegres practicando deporte, al tiempo que el psicoanalista los entrena. En contra plano, aparece el Papa, feliz por su descubrimiento existencial. ¡Qué momento! – será sin dudas, algo para recordar.

Nanni Moretti: el factótum director-actor, en el rol del psicoanalista. En composición antológica, sólo para diletantes de la clásica comedia italiana.

La precedente escena, es culmen de exaltación histriónica-dramática. No merece más exégesis la cinta. Todo queda borrado y en el letargo. Pocas veces tanta felicidad y tensión en un mismo envío discursivo. Afuera quedan las humoradas que se pueden construir por la especialización médica del Prof. Brezzi. El psicoanálisis no es lo juzgado. Aunque lo merezca y mucho, al menos no ocasionó daño (en esta oportunidad). Curar no cura, pero sí que divierte y mucho (ver foto). Moretti, ha dado vida a un personaje tierno, empático y todoterreno. Muy bien acompañado por Michel Piccoli (el Papa).

El psicoanálisis es “el arte de parlar”. Así lo sostenía Jacques Lacan. Hay que hurgar por tanto en los significativos parlamentos entre el terapeuta y sus múltiples partenaires de turno. Un verdadero deleite visual. Anécdotas y tradición se develan ante nuestros ojos.

Para concluir: no será con teología sacramental, como resolverá sus problemas un dubitativo primus inter pares. Ni menos aún, con prácticas pseudocientíficas del psicoanálisis. Es el sentido común – el más común de los sentidos-, que “Cambia, todo cambia…” incluso al vicario de Cristo.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 5 Tribunas ¡imperdible!

Puntaje actor protagónico: Nanni Moretti 5 Tribunas ¡imponente!

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

El boxeo argentino en Guadalajara, visto por Luis Doffi

Sat, 19 Nov 2011 00:50:01 +0300

Bitácora de vuelo

El pasado 15 de octubre de 2011, el Equipo Nacional Amateur de Boxeo —varones y mujeres— viajó a la ciudad de Guadalajara (México), para competir en los Juegos Deportivos Panamericanos. Contó el seccionado argentino con la dirección técnica del cubano Sarbelio Fuentes. Integrado por cinco pugilistas varones y dos mujeres. Varones: Junior Zárate (división 49 kilos), Alberto Melián (56), Fabián Maidana (64), Alberto Palmetta (69) y Yamil Peralta (91).

Mujeres: Paola Benavidez (51) y Celeste Peralta (60), bajo la dirección técnica de Juan Ledesma.

El Jefe del Equipo Nacional fue el Dr. Luis Doffi (Juez de Boxeo, DT. y vicepresidente de la Federación Argentina de Box); como juez-árbitro: Gerardo Poggi. (1)

Crónica Doffi

Tuve el honor de recibir informes periódicos de Luis Doffi (2) —vía e-mail—mientras duró la competencia en México. Quién mejor que este veedor de lujo, para una narración en primera persona del reciente evento internacional:

“Gustavo amigo: Estoy satisfecho con lo realizado por nuestros abnegados púgiles con escaso tiempo de preparación. Pudimos cosechar 3 medallas de bronce, aunque una de ellas pudo claramente ser oro o plata, y debido a una deficiente labor del árbitro del combate, no lo fue. Las medallas correspondieron a Yamil Peralta categoria 91 kg. Celeste Adela Peralta categoria 60 kg y Paola Pamela Benavidez categoría 51 kg. Destaco la labor realizada también por los técnicos, el reconocido mundialmente Sarvelio Fuentes, y el joven Juan Manuel Ledesma, quienes hicieron lo posible para llegar a estas instancias.”

“Como ocurre habitualmente en este tipo de competencias hubo hasta la fecha un amplio dominio del equipo cubano y una buena actuación de los locales Mexicanos y un gran crecimiento del equipo brasileño. Un abrazo grande. Luis Doffi. Guadalajara.”

Terminada la competencia y de vuelta en Buenos Aires, con la maleta todavía presta, entrevistamos al Jefe del Equipo Nacional. Una clarificadora charla nos pone en “guardia alta”, para lo que se viene: Los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

¿Qué síntesis puede hacer de lo actuado por los boxeadores argentinos, el cuerpo técnico y autoridades? ¿Qué se ganó y qué se perdió?

La participación en estos juegos tiene un saldo favorable en todos los aspectos: en primer lugar, los atletas accedieron para estos juegos luego de participar en torneos clasificatorios previos, es decir hicieron méritos suficientes. En segundo lugar, pude concluir que estamos en un nivel de competencia parejo con el resto de los países y cualquiera puede ganar o perder con cualquiera. Hay boxeadores que en este continente (en su mayoría cubanos), que poseen gran reconocimiento y en consecuencia, el factor suerte también tiene importancia, ya que algunos pueden beneficiarse con el sorteo previo; evitando a estos púgiles en las instancias preliminares. En tercer lugar, tenemos un cuerpo técnico de excelencia: encabezado por el profesor Sarbelio Fuentes. Muy bien secundado —en materia de boxeo femenino— por el profesor Juan Ledesma. Tampoco me olvido del profesor José Sosa (que no viajó en esta oportunidad), que es un excelente colaborador. Por último como Jefe de Equipo, solo tengo elogios para el grupo humano con el que me tocó compartir estas dos semanas. Ningún episodio de indisciplina, todo lo contrario, camaradería, solidaridad y respeto fueron las características salientes.

¿A su criterio, el apoyo oficial al Equipo Nacional Amateur de Boxeo, fue suficiente?

En esta materia siempre se puede hacer más, sobre todo en materia de deportes individuales como el nuestro, donde un atleta es una potencial medalla. No obstante se advierte un creciente apoyo a partir de la vigencia del Ente Nacional de Alto Rendimiento Deportivo y la posibilidad de viajar a distintos torneos permitiendo que los atletas puedan medirse con sus pares en otras latitudes.

¿Con respecto a otras oportunidades: avanzamos en este deporte, estamos igual, o peor?

No sé si estamos mejor que en otras oportunidades pero estoy seguro que vamos en la senda correcta.

¿Cómo se desarrolló la convivencia del equipo nacional? (teniendo en cuenta que hubo inconvenientes en otros deportes, en este ítem…)

Como ya lo anticipara la relación con los atletas y el cuerpo técnico, fue inmejorable. Cada cual tenía una función asignada, los atletas una tarea de mantenimiento procurando diariamente dar el peso de la categoría (un pesaje previo al sorteo y otro el día de la pelea); los técnicos diagramando las tareas de los/las púgiles. Y mi tarea consistió en allanarles el camino ante cualquier dificultad (no las hubo, muy buena organización), conseguir los transportes a los lugares de competencia, en definitiva, procurar que se concentraran exclusivamente en los combates.

¿Alguna anécdota para rescatar y compartir con los lectores?

Destaco en especial la actitud del púgil Alberto Palmeta (69kg), quien padecía un fuerte dolor en la espalda —previo a la competencia—, lo que no le impidió confrontar valientemente con el boxeador cubano, que finalmente fue medalla de oro de la categoría.

El Boxeo es apreciación. Lo llevo a un fallo /decisión que generó conflicto: el combate de Celeste Peralta... (¿?)

Según mi visión, este oficial causó un enorme perjuicio a nuestra pugilista de manera intencional, en ningún momento notamos que se encontrara sentida como para ser pasible de una cuenta de protección. Más aún, en los cruces siempre la más perjudicada resultó ser su adversaria. Al respecto el púgil envió una nota al Presidente de la Confederación Panamericana de Boxeo, en la cual expresó su malestar como consecuencia del absurdo fallo. Si bien el oficial fue apartado de la competencia, el perjuicio ya se había ocasionado.

¿Algún comentario que quisiera adosar a esta entrevista?

No querría dejar de agradecer a las autoridades de nuestra Federación Argentina de Box (FAB), que me designaron como Jefe de Equipo. En el plano personal, la participación en estos juegos me permitió conocer desde adentro aspectos de la alta competencia; tener trato con otros jefes de equipo del resto de nuestro continente, conocer otro país, otra cultura, y por último, aprender de personas como Sarbelio Fuentes, poseedor de un gran conocimiento de nuestro deporte, y de una calidad humana fuera de serie.

Luis Doffi: un teórico del boxeo, a la hora de conceptualizar la participación argentina en los Juegos Deportivos Panamericanos.

Un placer contar como siempre con la anuencia de Doffi: un profesional de élite del mundo box. De su Chajarí natal a Buenos Aires; de la FAB a Guadalajara, y de México para el mundo. Vaya toda mi admiración, respeto y felicitaciones.

Gustavo Contarelli

Referencias:

1) Agencia TELAM: 14/10/2011 17:58,

2) Ver: “Redescubriendo el Boxeo…” (art. Tribuna: http://www.periodicotribuna.com.ar/8432-redescubriendo-el-boxeo-los-jueces-son-las-personas-mas-silbadas-despues-del-arbitro-.html

Foto (1) Gentileza Luis Doffi (1ro. Izq. segunda fila); con parte del equipo.

Foto (2) Luis Doffi: reflexionando sobre el arte del pugilato (G.Contarelli, Tribuna de Periodistas).

Asesinos de elite

Sun, 13 Nov 2011 11:29:03 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Asesinos de Elite

Título original: Killer Elite

Dirección: Gary McKendry,

Guión: Ranulph Fiennes, Matt Sherring, Gary Mckendry.

Género: Acción - Thriller – Solo apta mayores de 18 años.

Reparto: Jason Statham, Clive Owen y Robert De Niro, Dominic Purcell, Aden Young, Yvonne Strahovski, Ben Mendelsohn, Adewale Akinnuoye-Agbaje, David Whiteley, Matthew Nable, Lachy Hulme y Firass Dirani.

Montaje: John Gilbert - País: EE.UU. / Australia

Fotografía: Simon Duggan– Música: Reinhold Heil y Johnny Klimek.

Productora: Omnilab Media, Ambience Entertainment, etc.

Año: 2011 - Duración: 116 min.- Estreno Argentina: 10/2011

Una conjunción increíble: el sustrato moral de las decisiones del sicariato, y la ponderación de una tierna historia de amor que subyace en el guión. Jason Statham, y la devoción militante por su bella mujer (Yvonne Strahovski). Un intenso thriller, con carga estética distinta a la tradicional.

Inspirada en hechos reales, Killer Elite (Asesinos de Elite), es la historia de tres (antiguos) amigos que sirvieron juntos en las Fuerzas Especiales Británicas, reunidos por un potentado jeque árabe. Su misión: aniquilar a los asesinos de tres de sus hijos. El jeque sabe que sus días están contados —preso de una enfermedad terminal— mediante un ardid, consigue los servicios de estos paramilitares.

Jason Statham, su partenaire Robert De Niro y compañía, deben llevar a cabo una serie de asesinatos por encargo: el blanco, tres agentes de la poderosa agencia S.A.S (en inglés: Special Air Service, Servicio Especial Aéreo Británico). Dicho servicio eliminó a los hijos del jeque en Omán. En un territorio donde sobreviven los mejores, una carrera con final abierto: ¿Cuál será?

Desde el lenguaje cinematográfico la cinta no da respiro. Con ritmo sostenido, la acción atrapa al espectador desde la primera toma. Un acápite especial merece los parlamentos de los antiguos miembros del S.A.S. Bautizados con el sugestivo nombre The Feather Men (traducido como “las águilas humanas” o “los hombres de plumas”), por su vuelo certero y mortal. La metodología sectaria de sus miembros, que no reconoce límites en su accionar.

El director Gary McKendry, hecha mano a un verdadero arsenal de recursos técnicos. Planos en altura, en picado y contrapicado; tomas aéreas, sintetizan una fotografía de autor de excelencia.

Más allá de los prejuicios que conlleva estos actores a priori- caso Statham y Clive Owen-, encasillados en la acción sin valor agregado (torpe y repetitiva), notamos que en esta oportunidad, no es más de lo mismo. Hay un crecimiento sostenido en el tiempo por estos profesionales de la escena. Si bien los románticos parlamentos de Statham con su mujer no son de alta dramaturgia, tampoco tiene aristas de los tediosos e insípidos del Transportador.

Desde la conceptualización del texto, abonamos la teoría de una “deontología” de elite, de los ex espías asesinos. Paramilitares liderados por De Niro y Statham. Al tiempo que Clive Owen, como jefe de operaciones de la S.A.S. Basta con traducir en buen romance, algunos conceptos del jeque árabe al confrontar sus fundamentos del encargo: “una guerra no se termina, hasta que ambas partes lo decidan”.

La ética aplicada de cada grupo de elite en pugna, nos pone de lleno con los fines últimos de dichos actos: tanto las S.A.S. —como los paramilitares contratados por el jeque—, mencionan el rédito de la mercancía monetaria.

Jason Statham: un duro en su madurez profesional, en un género que le calza como un guante; y un ladero de lujo: Robert De Niro.

En fin, el protagonista último de la narración es el dinero: “¿sólo de eso se trata?”, reclama un confundido Clive Owen a su oponente. La respuesta es instantánea: “sí”. Lo jugado en toda la extensión del metraje es siempre la retribución económica. La consecución de los buenos negocios y su administración.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 4Tribunas.

Puntaje actor protagónico: Jason Statham 5 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

Muy, muy de chapuceros impresentables

Tue, 01 Nov 2011 10:12:45 +0300

Otra trapisonda del multimedios Clarín. La unidad de negocios que conforma el Diario Muy de Buenos Aires (1), acaba de dar a luz una simiente que desacredita aún más —por los contenidos— al tabloide popular: Muy Esotérico (2).

Arte Gráfico Editorial Argentino (AGEA), Alma Parens que coordina todo emprendimiento gráfico de la poderosa agencia de negocios, se desayuna con esta nueva propuesta pseudocientífica. Aprovechando la marea irracionalista que desborda el género chico “espiritualidad”, todo se recicla, todo se vende. El problema, es que los residuos vienen en bolsas cada vez más grandes.

Si partimos del aserto que: el valor agregado editorial de un medio de difusión, es parte causal de un saludable marketing estratégico, cabe repensar el plus cultural-comunicacional. En otros términos: ¿Todo vale?

El empresario circense americano, Phineas Taylor Barnum (3) —para muchos teóricos creador del marketing moderno—, sostenía que nace un tonto cada cinco minutos. Al cual hay que venderle algo. Una lectura sesgada de este profeta de la publicidad, direcciona el falso pensamiento, que la masa a priori siempre consume basura. También se puede demostrar por el contrario, si al soberano se lo alecciona con modelos de estéticas inteligentes, la consumición de dichos valores, no se harán esperar.

Impensadamente, Barnum, influyó notoriamente en la investigación de muchos psicólogos experimentales americanos. Su contribución o legado, se puede ver en los siguientes apotegmas:

-Efecto Barnum o Forer (4): enunciados generales, que son tenidos como particulares. Abonan esta técnica, astrólogos, videntes, como Jimena La Torre (autora de Muy Esotérico).

-La teoría de la interrupción discursiva: coartar la posibilidad de preguntar incisivamente, y en dirección inductiva-deductiva. De esta forma, nunca se llega al núcleo del problema. Todo charlatán de feria (5), nunca desestima este ardid para embaucar a sus clientes. Dicha técnica, es utilizada por los famosos vendedores de autos usados en EE.UU. (estudiada y descripta ad hoc).

Semiología del engaño

Tomamos un ejemplar de Muy Esotérico. Se desprende como primer concepto el de la precaridad. Formato fascicular de catorce páginas ilustradas rudimentariamente, donde la ausencia de autoridades, editorial, índice, brilla por su ausencia. El “ocultismo”, también se articula en lo institucional. ¿Tanta vergüenza les da dar más nombres? Sólo su autora, la astróloga del diario Muy, figura en plano detalle.

Algunas referencias de edición:

-Elipsis literaria y uso de la duda: mal utilizados arbitrariamente. Acortar la argumentación y encriptar los conceptos a difundir, lo hacen ininteligible. No interesa la profundidad conceptual. Sólo la repitencia de la mentira, para darle formato de verdad.

-No posee ninguna referencia académica/ bibliográfica: carece de sustento los contenidos vertidos. Ausencia de tesis-contra-tesis, confrontación, discusión. Elementos fundantes de cualquier obra literaria que se precie de tal. La pseudociencia no confronta, no está equipada para hacerlo, por eso siempre desprecia al pensamiento científico.

-El “viejo truco” de copiar, pegar y editar: diversidad de ideas de diferente cuño o matriz mal sintetizadas, manifiesta pereza intelectual en la producción de los contenidos.

Manos a la obra: la intrépida astróloga La Torre, nos propone un talismán para atraer el verdadero amor. La inteligencia y los valores del sujeto, ausentes en la consecución del artefacto mágico (¿?)

Astróloga de la farándula nacional: dice que “su vida es mágica”. Mágico también es su verso: “Susana Giménez, tendrá un hombre más joven que ella, pero no será estable”. ¡Ninguna predicción! Utiliza el Efecto Barnum.

En síntesis: una obra literaria pseudocientífica de poca monta. “Muy” torpemente escrita. No introduce ningún concepto nuevo / diferente. Sugiero a su autora —ya que nos va a mentir— que lo haga bien. Es más de lo mismo. Pero sirve como muestra del abuso de la credulidad pública a que estamos sometidos los ciudadanos por parte de estos “maestros de las patrañas cósmicas”. Publicidad ambigua y Explotación de la credulidad pública (6) —ambos delitos tipificados jurídicamente— es el sustrato de esta semiología del engaño de Muy Esotérico.

El gran viraje: ideas para un saludable marketing estratégico

En otra oportunidad, decíamos: “No se tome de ninguna forma, nuestra objeción intelectual y moral sobre la publicación que estamos analizando, como límite laboral de cientos de personas que viven del macaneo posmoderno. Apelo una vez más a la razón, señores de Clarín. Les propongo una “nueva unidad de negocios”, por ejemplo: la colección completa del funcionamiento del sistema escolar en Finlandia y Suecia. Los mejores modelos de educación en el mundo. Al hacerlo, quizá el ejemplo cunda en estas latitudes. Habrá menos pensamiento mágico/pseudociencias, más cerebros libres, y también trabajo con mayor valor agregado.

Lamentablemente, hoy vuelvo a apelar no sólo a la razón (que por lo visto, Clarín no es tan amigo), en esta oportunidad, ilustro con un saludable marketing estratégico: “la solidaridad”. Apoyar emprendimientos nacionales (no políticos, de ONGs poderosas…). Vade suyo también, para aquellos que critican a los portadores de racionalismo secular, con el esquivo, ¿qué hacen Uds. que critican a los charlatanes astrólogos, videntes, etc.? Sin saber que el escepticismo organizado, es más solidario que el mezquino orbe de los gurúes de la “versoterapia” (léase Claudio María Domínguez, que curiosamente es columnista de Muy, Ari Paluch, etc.).

El gran viraje, lo constituye el poner manos a la obra. Ayudar a ayudar. Proponemos el “Programa Solidario de Cristian Leal”. Acudiendo al llamado de las comunidades sin recursos materiales, allí donde el calor del Estado ausente, ni los punteros asedian. Donde las palabras y el amor se dosifican, ahí estaremos siempre los escépticos metodológicos. Ah, por cierto, esos sitios donde no llegan los charlatanes de feria de Muy Esotérico. Ese es el Gran Viraje. Pensamiento científico, solidaridad y cosmovisión.

¿Será tal vez la conformación del Homo Sublimis (el hombre nuevo), del cual habla siempre en su obra —nuestro entrañable amigo— el biólogo y naturalista Ladislao Vadas?

Gustavo Contarelli

Referencias:

1) Diario Muy de Buenos Aires (25-10-11 – Año 1, Nro: 127) Ed. AGEA SA

2) Muy Esotérico: Primera entrega: “Hechizos para el Amor” La Torre, Jimena. Ed. AGEA SA. Se adjunta con el diario, dos ejemplares por semana.

Otros fascículos: “Rituales de protección para las buenas energías” / “Predicciones 2012 signo por signo” – de regalo con diario.

3) Phineas Taylor Barnum (1818-1891). Empresario circense americano, reconocido por sus célebres engaños en el mundo del entretenimiento. Fundó el célebre circo que lleva su nombre.

4) Efecto Barnum o Forer (por el psicólogo estadounidense Bertram R. Forer, que lo estudió y describió en 1948): también llamado falacia de validación personal o el “efecto Barnum”) Es la observación por la cual los individuos darán aprobación de alta precisión a descripciones de su personalidad, que supuestamente han sido realizadas específicamente para ellos. En realidad son generales y ambiguas, como para poder ser aplicadas a un amplio espectro de gente.

5) Charlatán de Feria: Con este nombre, se referían en la Edad Media, a los vendedores de ilusiones o milagreros, que pululaban por las grandes ferias de Europa. Vendían tónicos que “curaban” todo tipo de dolencias; hacían rituales para mejorar el clima, hasta pequeñas cirugías.

6) Código de Faltas, Ley 10.703 (Prov. Santa Fe)

Art. 81 (Ex 76). - Explotación de la credulidad pública. El que habitualmente y con ánimo de lucro explotare la credulidad pública o la fe religiosa interpretando sueños, adivinando el futuro, formulando profecías o predicciones o pretendiendo en cualquier forma la posesión de un poder sobrenatural, siempre que el hecho no constituya delito será reprimido con arresto hasta treinta días o multa hasta seis jus.

Art. 80 (Ex 75). - Publicidad ambigua. El que ofreciere servicios profesionales o efectuase publicidades o anuncios que sean capaces de inducir a error respecto a su formación profesional o que pudieran causar confusión acerca de la profesión ejercida con otra que no tuviere derecho a ejercer, será reprimido con multa hasta diez jus.

Texto / Infofotografías: Gustavo Contarelli

El árbol de la vida

Sat, 15 Oct 2011 12:01:42 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: El Árbol de la Vida

Título original: The Tree of Life

Dirección y Guión: Terrence Malick

Género: Drama – Solo apta mayores de 13 años.

Reparto: Brad Pitt (Sr. O'Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O'Brien), Fiona Shaw, Joanna Going, Dalip Singh, Kari Matchett, Kimberly Whalen, Jackson Hurst, Danielle Rene, Brenna Roth, Crystal Mantecon, Jennifer Sipes, Zach Irsik, Brayde Whisenhunt, Hunter McCracken (Jack de joven).

Montaje: Hank Corwin Daniel Rezende, Billy Weber

Fotografía: Emmanuel Lubezki – Música: Alexandre Desplat

Producción: Cottonwood Pictures, Plan B Entertainment, River Road Entertainment.

País: EE.UU. - Año: 2011- Duración: 138 min.- Estreno Argentina: 10/2011.

Drama psicológico; película de autor; un verdadero desafío instalar libremente, una película que fuga a los cánones establecidos. Anarquismo visual, que se empantana en potenciales no resueltos. Quiso abarcar mucho, en mucho tiempo, sin percatarse que la Historia del Tiempo escapa…Lo que no escapó, fue la inconsistencia del guión.

Terrence Malick es un director de cine singular: en cuarenta años ha filmado sólo cinco películas. Largos interregnos para repensar conceptos, que desde luego pasan a las cintas con su cuño indeleble. En fin, un ermitaño del séptimo arte que hace las cosas a su gusto, allende la crítica que lo asedia.

The Tree of Life (El Árbol de la Vida) es una historia bifrontal. Parte de los años 50 articulándose con el presente. La idea conquistada en todo el guión, es la libertad creativa. Donde logra un espacio-tiempo “atemporal” (es decir, todo se narra desde el presente, como un reportaje al pasado y al futuro). En este escenario proyectado el espectador es un viajero en el tiempo. Verá de pronto ante sus ojos, reptiles prehistóricos, y al rato, a Brad Pitt interactuando con su familia. En este marco conceptual radica la crítica a estos planos sin fin.

La trama central del film, es simplista: la vida de una familia burguesa americana de posguerra. Jack, un niño dócil muy amado por su madre (Jessica Chastain - Sra. O'Brien). Por otro lado, su padre (Pitt), que encarna el orden, la mano dura, que le hace sentir el rigor del mundo hostil. La tercera pata conceptual de la trama, la pone Sean Penn (interpretando al adulto Jack). Punto de inflexión este personaje, en la historia de una “gran confusión”: el guión, torna a otros nortes. La cinta también es un alegato a la Historia del Universo y sus orígenes. Una cosmología a la carta. Cosmología de autor, que naufraga por sus hipótesis divergentes, ilógicas.

Para abonar nuestra conclusión, valga una anécdota: Sean Penn, parece que en las ruedas de prensa estaba algo perdido, preguntándose todavía qué rol había interpretado y cuál era el sentido último de su personaje en la cinta (¿?).

Incluso, en el mismísimo Festival de Cannes (donde ganó la Palma de Oro), se notó la cosecha de aplausos como abucheos, dando como resultado la adhesión o el rechazo a la peculiar obra de Malick.

Se desprende de lo antedicho, que el film es una metáfora del “principio permanente” de la naturaleza. Al tiempo que una voz over (omnisapiente), nos relata la Historia del Tiempo mediante distintos dispositivos cinematográficos. Anafórica es la estética: una “imagen cristalizada” (un árbol luminoso-destellante), abre cada acto. Signando el comienzo latente de algo. Que todo es posible en la mente del público. Juega con la ambigüedad ideológica. Ya están avisados, a la hora de conceptualizar la trama.

Rescatamos de las tempestades del guión, la dirección fotográfica y musical.

Las tomas subacuáticas y la iluminación de planos sobre planos, es magistral. Un verdadero calidoscopio de sensaciones despierta los sentidos por sus formidables texturas. Cabe señalar, que todo lo expuesto se vislumbra armoniosamente. Calidad y calidez óptica al por mayor. Difícil escapar a la sensación de trascendencia espiritual plasmada en el fotograma.

Brad Pitt (Sr. O'Brien): “La única forma de ser feliz es amar”. Moraleja que alecciona a Pitt y se instala como discurso transversal de la trama.

Como todo drama o thriller psicológico, lo destacable es la referencia a la cancelación del relato: ¡Ud. espectador, posee la última palabra! Desde otra perspectiva, la historia colisionará a poco del metraje. Ah, y recuerde la enseñanza del mito de Pandora: todo se pierde, menos la esperanza…

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 3Tribunas.
Puntaje actor protagónico: Brad Pitt (Sr. O'Brien) 4 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

Cristian Leal: cuando el boxeo es sinónimo de inclusión social

Sat, 24 Sep 2011 12:17:14 +0300

El Programa Solidario de Cristian “El Máscara” Leal, asiste a una escuela rural de Nogoyá, Entre Ríos. El deporte de los puños, vehiculiza la ayuda y las donaciones desde su gimnasio en Béccar.

El boxeo como excusa de asistencialismo. Aquellos que están aislados de las bondades de la modernidad urbana, ahora tienen una nueva esperanza: un grupo de personas lideradas por el reconocido boxeador profesional y DT Cristian Leal, se ocupan del acarreo de los recursos materiales, hasta el objetivo elegido.

La asociación de voluntades generan un gran proyecto: una Escuela de Boxeo de Béccar —como receptáculo de solidaridad—, y “en otro rincón”, Leal y su tío en la logística del mismo.

-¿Cómo surgió la idea de esta empresa solidaria?

-Néstor Asselborn (ver foto): De visita a la casa de mi primo —que manda a su hijo a pre-escolar de la Escuela de Nogoyá— notamos las carencias del sistema educativo del lugar. Los alumnos son hijos de pescadores, peones de estancias, con ingresos magros. La directora nos contó las necesidades, y en dos meses realizamos el primer viaje solidario. Le comenté este caso a Cristian Leal, que gustoso se prendió y fogoneó nuestro sueño de ayudar. La idea es viajar una vez por mes, y llevar una gran cantidad de materiales (útiles, libros, indumentaria, elementos de construcción, etc.).

Escuela N° 13 "Florencio Varela": punto de partida del Programa Solidario: Boxeo e Inclusión Social, de Cristian “El Máscara Leal”.

Elsa Otero, Directora de la Escuela N° 13 "Florencio Varela" (Rincón de Nogoyá, Entre Ríos), comentó a Tribuna de Periodistas las necesidades de su institución educativa: “Inserta en una zona carenciada, a ella concurren 53 alumnos desde Nivel Inicial hasta 6to grado; nuestro mayor inconveniente es la infraestructura del edificio, es muy antiguo —data de 1875— y no contamos con aulas suficientes (…) “necesitaríamos vajillas (vasos, platos, cubiertos, ollas); la cocina que tenemos tiene el horno roto, así que no podemos a veces variar mucho el menú, la ayuda de alimentos no perecederos y leche sería de gran valor (…).

Un comprometido Leal sostiene: “Este será nuestro bautizo. Con él multiplicaremos la ayuda a quien la necesite, conformando cuadros solidarios permanentes. Una solidaridad itinerante para satisfacer las necesidades básicas de los integrantes de dicho objetivo.”

Cristian Leal (der.): un referente moral de distintas generaciones. A su izquierda tres alumnos de la Escuela de Boxeo “solidaria” de Béccar.

-¿Cómo entendés la temática solidaria?

-Los chicos de la Escuela Nro. 13 no tienen asistencia. Sus herramientas para la vida son pocas. Hay que dárselas para un futuro mejor: el estudio. ¿Cómo puede ser que no tengan para estudiar? Me cayó la ficha cuando vi a Néstor lo que hacía. Hay que mover el avispero. Cuando ayudo me siento bien me olvido de todo, incluso que soy pelado (risas).

Aprovechamos la oportunidad como excusa para hablar de boxeo:

-¿Por qué se debería practicar el “boxeo recreativo”, como alternativa a la gimnasia convencional?

-Por muchas razones: es económico (se utilizan pocos elementos); por descargas de endorfinas; para mitigar el estrés; las mujeres modelan su cuerpo en el gym (y se olvidan de esos kilos de más…). Hay mezcla de clases sociales. Para socialización del individuo. Te doy un ejemplo: tengo un alumno con trastornos de hiperactividad (TDAH: Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad). Estaba medicado. Desde que inició el entrenamiento deportivo de boxeo, dejó la medicación hace dos meses, y anda muy bien. También, tengo cinco jóvenes becados (de pocos recursos).

-¿Cuáles son tus referentes del boxeo profesional, masculino y femenino?

-Sergio “Maravilla” Martínez. Quizá porque empezamos juntos. Combatí en Bernal (Quilmes), el mismo día que el. Como se dice: nadie es profeta en su tierra. Triunfó en el exterior. Como boxeadora, destaco a Erica Farías. La conocí personalmente (es de San Fernando) y me gustó su tenacidad. ¡Como se esforzó en su carrera!

-¿Qué significó el boxeo en tu vida?

-Casi todo. Viajé al exterior. Conocí el mundo. Un recuerdo especial a mi maestro Sarbelio Fuentes (DT. de Boxeo, de origen cubano). Aprendí todo. “Fue el maestro que necesité en el momento preciso”. ¡“Dedicate a boxear”! me decía Sarbelio, por ese entonces, trabajaba y vivía en el barrio de emergencia “Villa El Garrote” (Tigre).

El Programa Solidario de Cristian Leal (Néstor Asselborn y CIA.), realiza sus primeros rounds de ayuda comunitaria. Es la iniciación de este “Festival Solidario”. Todos están invitados para trabajar en el evento. El boxeo como mediador de inclusión social: ¡ayúdenos a ayudar!

Gustavo Contarelli

Recepción de Donaciones y Ayuda Solidaria: Escuela de Boxeo Cristian “El Máscara” Leal

Av. Juan B. Justo 241 Béccar (Prov. BS.AS) Club Atlético Béccar - elmaskraboxing@hotmail.com

TEL. Cel.: 15-3357-0019. TEL. Escuela N° 13 "Florencio Varela": 03436-423329 - elsaotero1@hotmail.com

En la foto que ilustra la nota, Cristian Leal junto a sus tíos, Néstor Asselborn y mujer. Con la guardia en alto y los corazones encendidos, para quien lo necesite.

Texto y Fotos: Gustavo Contarelli

El genial Mario Bunge en Buenos Aires

Sat, 10 Sep 2011 08:34:18 +0300

La megaestrella de la ciencia y filosofía argentina, se presentará el 15 de Septiembre de 2011 en la Sociedad Científica Argentina.

Una cita de honor con el conocimiento científico al más alto nivel. Pensador de élite del racionalismo moderno, Mario Bunge, disertará en esta ocasión sobre un tema que lo apasiona: “Pseudociencia y Pseudofilosofía, Maratón de preguntas y respuestas”.

Bunge es físico, epistemólogo y filósofo argentino (radicado en Canadá); sus intervenciones nunca pasan desapercibidas. El cuestionamiento a lo establecido lo promueven como adalid y titán de la intelectualidad. Acumula quince doctorados honoris causa, el premio Príncipe de Asturias, ha escrito más de cinco decenas de libros etc.

Para agendar:

Jueves 15 de Septiembre de 2011, 19:30 hs.

Salón Florentino Ameghino Sociedad Científica Argentina. Av. Santa Fe 1145 (CABA).

Entrada: $20.

Más info: sociedad@cientifica.org.ar - Tel /fax: 4816-4745 /5406.

Organizan: Sociedad Científica Argentina y el Center for Inquiry/Argentina.

Socios de CFI/Argentina descuento 50%.

A la hora señalada, Mario Bunge, “un púgil de buen gancho y guardia siempre armada”, deleitará al público asistente con su estilo frontal no exento del fino humor que nos tiene acostumbrados.

Un gran momento, una excusa para encontrarnos con el conocimiento objetivo, y el antídoto para aquellos que todavía no se animan a despegarse del “macaneo posmoderno”: las injuriosas pseudociencias.

Gustavo Contarelli

El mundo según Barney

Sat, 03 Sep 2011 11:35:25 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: El Mundo según Barney

Título original: La Versione di Barney /Barney’s Version

Dirección: Richard J. Lewis

Guión: Michael Konyves; a partir de la novela de Mordecai Richler

Género: Drama, Comedia – Solo apta mayores de 13 años.

Reparto: Paul Giamatti (Barney Panofsky), Dustin Hoffman (Izzy Panofsky),

Rosamund Pike (Miriam), Minnie Driver (la segunda Sra. P.), Rachelle Lefevre (Clara), Scott Speedman (Boogie), Bruce Greenwood (Blair), Macha Grenon (Solange), Jake Hoffman (Michael Panofsky).

Fotografía: Guy Dufaux – Música: Pasquale Catalano

Producción: Robert Lantos, Serendipity Point Films - Montaje: Susan Shipton

País: Canadá e Italia - Año: 2010 - Duración: 132 min.- Estreno Argentina: 8/11

La historia de Barney Panofsky es una trama bifrontal: bascula entre la visión de un joven productor de TV, y la de un maduro y cansado hombre con una mochila de recuerdos que lo atormentan. Tres matrimonios a cuestas, y una única apreciación voluntarista: el amor por la madre de sus hijos. Un amor que trasciende la materialidad mundana.

El paso del tiempo no llega sólo: Barney nos relata su vida de manera sinóptica-retrospectiva. El amor y la pérdida de amigos entrañables, moldea su vertiginosa vida de relaciones. Pese a todo, este personaje costumbrista es previsible y hasta tedioso. Nunca pasa desapercibido. Es amado y odiado al mismo tiempo. Dicha polarización, derivada de su carácter frontal, le traerá frecuentes dolores de cabeza.

Barney's Version (2010), es el título de la novela homónima del autor canadiense Mordecai Richler. Convertido en largometraje por Richard Lewis —de exitosa trayectoria en TV—, secundado por el guión de Michael Konyves, dan vida a una entretenida comedia dramática. Narra las peripecias de un productor televisivo, de ascendencia judía. De su cabeza pende la espada de Damocles: es sospechado por tres décadas del asesinato de un entrañable amigo (Boogie).

La estética planteada desde la apertura del film, es similar a los años `40 y `50: un verdadero reguero de alcohol y tabaco circundan a los protagónicos. Simil a Casablanda, donde la acción destella al compás del whisky y el humo hipnotizador. Prescindiendo del glorioso bar de Rick (de Humphrey Bogart), todas las locaciones donde circula Barney pasa por el tamiz de la adicción alcohólica. Y más: la historia se cuenta a partir del alcohol, no como un mero adjetivo, sino como un protagonista más.

El alcohol como catáfora y anáfora narrativa. Introduce la épica de Barney y la retoma constantemente. Por aquello que para desinhibir a un sujeto, nada mejor que el líquido etílico. Así todo es contado, nada queda en el tintero. Por momentos esta “verdadera propaganda” al consumo es fastidiosa. No como juicio de valor ético, sino estético. Todo se convierte en un “bar itinerante”. Superabundancia para un lenguaje cinematográfico que se agota.

El recurso cinematográfico del flasback (escena retrospectiva) es certero: nos cuenta el pasado del protagonista, y como llegó el actual estado de situación. Plantea como inicio de la historia el año 1974 (en Roma), y en paralelo (sinóptico), los años 2000.

Los contenidos dialogicos del film llegan a buen puerto, con la interacción de Boogie (a la sazón alcohólico como Barney). Ambos abren sus corazones y los textos fluyen como el alcohol huésped de su sangre. Una simbología deliberada que nos propone el director de la obra. Es el tiempo de la amistad. También de eso se habla. A no confundirse, el amor y la amistad en primer plano. Y las mutaciones que sufre este binomio con el paso del tiempo.

El guión nos propone una anatomía de la personalidad de Barney: intratable y abúlica; la relación que lleva con su padre (basada en fumar y beber); la forma arbitraria e instintiva para elegir a sus mujeres; su obsesión por el hockey, y un egoísmo incresciente. Ni siquiera con la llegada de una afección como el mal de Alzheimer, logrará rectificar.

La imagen del personaje se percibe con realismo visceral. La construcción del verosímil es lograda gracias a la formidable actuación de Paul Giamatti. Con capacidad manifiesta para transmitir todo tipo de emociones, con gran sencillez experimental. Muy loable por cierto. Un talentoso actor que nos hace reir y llorar al mismo tiempo. Ideal para la comedia dramática.

Barney (Paul Giamatti): memorable actuación que conecta al espectador a una sensibilidad que trasciende la vida: el amor eterno.

Junto a él, un partenaire de lujo: Dustin Hoffman (Izzy Panofsky). El padre de Barney - un ex policía - orgulloso de su hijo, pero a la vez respetuoso de su vida, posee una singular manera de vivir. Hoffman, con una participación pequeña, demuestra el por qué de su gloria artística. Su escena final en la historia, es dramática e hilarante. Una conjunción magnífica por la dificultad de sellar dos géneros antagónicos.

Dejamos para el postre, la referencia a las tres mujeres de Barney. Con magistral pulso en el cásting, son ideales para acompañar el paso de relatos y encrucijadas. De temperamentos disímiles, la última – el gran amor de su vida- madre de sus dos hijos. Mujer apacible, hermosa e inteligente, compañera de Barney en su madurez, que reporta en su historia el quintaesencial equilibrio psicológico.

Aunque la memoria comience a fastidiarlo (Alzheimer avanzado), Barney nos lleva con paso incierto por el camino de los recuerdos; no sólo para explicar su historia a los demás, sino para entenderse a sí mismo. La conclusión del relato es cerrado. Y Barney, bebió una cucharada de su propio chocolate…

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 4Tribunas.

Puntaje actor protagónico: Paul Giamatti (Barney Panofsky) 5 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

La Oscuridad

Sat, 20 Aug 2011 12:40:58 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: La Oscuridad (Desaparición en la Calle 7)

Título original: Vanishing on 7th Street

Dirección: Brad Anderson

Guión: Brad Anderson y Anthony Jaswinski

Género: Terror / Sobrenatural – Solo apta mayores de 13 años.

Reparto: Hayden Christensen, Thandie Newton, John Leguizamo, Pamela Croydon, Jimmy Bennett, Jacob Latimore.

Fotografía: Uta Briesewitz – Música: Lucas Vidal- Montaje: Jeffrey Wolf

Producción: Tove Christensen, Lawrence Mattis, Kelly McCormick

País: EE.UU. - Año: 2010 - Duración: 91 min.- Estreno Argentina: 11/8/11

El thriller psicológico Vanishing on 7th Street (La Oscuridad) es la nueva propuesta del director Brad Anderson. El tópico universal de la existencia y la esencia humana, conlleva fantasmas que parecen reales. Tan reales, como la insuficiencia de un film que se agota al promediar su metraje.

Atravesada por una dinámica apocalíptica y escatológica, la narración corporiza el eterno miedo a la oscuridad. La puja de la oscuridad (las tinieblas, el mal), versus la luz (el bien, la salvación), en clave cinematográfica. Todo comenzó en una población de Detroit (EE.UU.), y la llegada de un ejército de sombras misteriosas que fagocitan a los humanos. Dicha manifestación espectral, es la culpable del apagón absoluto de la ciudad.

Singularmente, quedan cuatro personajes —portadores de adminículos luminosos— para combatir a las tinieblas. Dos hombres (Hayden Christensen y John Leguizamo), una mujer que ha perdido a su bebé (Thandie Newton) y un chico que ha perdido a su madre (Jacob Latimore). Para hacer frente al Armagedón, hacen base en un bar muy iluminado. Pese a los ingentes esfuerzos de estos valientes, la oscuridad irá por ellos ¿los capturará?

El género de terror es esquivo: por un lado, creador de multiplicidad de interrogantes y por otro, el peligro de tropezar con vetustos clisés. Es el caso de esta cinta. Un sabor amargo de Déjà vu estético, sentencia el éxito de una historia que a priori prometía. Así mismo, una serie de aciertos de pulso directriz, elevarán la puntuación de una historia mal resuelta.

Certezas a la hora de conceptualizar el lenguaje cinematográfico: notable fotografía aérea (“planos en picado” etc.), travelling de 360 grados —envolviendo al protagónico Luke (Hayden Christensen)— encarnando a un inquieto periodista de TV. El quinto protagonista (la sombra movediza), que sella el destino de las personas, se transforma por derecho propio en una “escena cristalizada” catalizadora (un significado en sí mismo, que marca al texto).

El “excipiente” de la trama, lo da la música propuesta por Lucas Vidal. Un éxito a lo largo de los 91 minutos del film. Los sonidos acompasados, vehiculizan el sentido visual al tiempo que tapan los defectos de la narración. Lo cual no es poco. Los sonidos abren y cierran las partes neurálgicas de las escenas. No es arbitrario que el nombre del responsable del área (Vidal), se inscriba al inicio de los créditos.

En cuanto al trabajo de los protagónicos (léase, el rol del actor), cumplen sin sobresaltos con un guión poco exigente. El obstáculo mayor de la interacción de los mencionados, lo da la percepción que tienen ellos mismos de su máscara. No se convencen como sujetos, ni tampoco fascinan al espectador. El sentido de cada personaje —su legitimación— es la esencia de la actuación.

La Oscuridad: momentos de tensión en un pueblo donde sus habitantes se esfuman. Tras las nubes siempre sale el sol. El ciclo vital universal se cumple una vez más...

El largometraje se asocia con clásicos del cine: La Noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1968), El último hombre vivo (Boris Sagal, 1971), Pitch black (David Twohy, 2000), etc. Allí en la comparación, radica su virtud o su demérito. Según la apreciación del observador. Dícese con frecuencia que en el género de marras, deben interactuar los sujetos con los objetos; tornándose estos últimos, como potenciador de sentidos de la narración. Es el tiempo del fetichismo sobrenatural.

Más allá de cualquier exploración, el tema central de las sombras y la luz es muy apetecible, pese a las debilidades preexistentes. Quizá las tinieblas no son tan oscuras, quizá no son tan malas. Todo es cuestión de apreciación…

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 3Tribunas

Puntaje actor protagónico: Hayden Christensen 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas: excelente/imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta - buena

2 Tribunas: regular

1 Tribuna: mala/pésima

Confirmado: hay Tecnópolis /Kristinópolis para rato

Thu, 18 Aug 2011 21:56:58 +0300

Lo ratificó la presidenta Cristina Fernández ayer miércoles 17 de Agosto. La megamuestra de ciencia, tecnología y arte, cuya finalización estaba pactada para el 22 de agosto, tendrá su corolario el 27 de noviembre de 2011.

Cerrará sus puertas un par de días —para su reacondicionamiento— y volverá a lucir sus galas el 2 de septiembre (Día de la Industria).

Increíblemente, la prensa adicta K —Página /12— sentenció: “La inesperada reapertura de la megaferia de ciencia y técnica fue anunciada ayer por la presidenta Cristina Fernández, quien explicó que mediaron pedidos de gobernadores y escuelas para que la exposición se extendiera”.

Tribuna, ya lo había anunciado el 13 de agosto describiendo la utilización de esta usina de propaganda política, como mascarón de proa.

Pero hay más, una serie de hipótesis se vislumbran en el horizonte K:

a) El uso de este megaexposición: como contralor de posibles vaivenes políticos de la administración nacional. Como exposición permanente o itinerante. Incluso con posibilidad de exportación a otros lares.

b) Kristinóplis polifuncional: el predio de 50 hectáreas donde está emplazada, y sus múltiples utilidades a futuro. Ora como “centro de exposición” (para confrontar con “La Rural”, que siempre le fue esquiva a sus pretensiones hegemónicas de poder), ora como recurso de convocatoria de huestes afines al gobierno K. Tecnópolis como fortaleza de un modelo que amenazado por sus contradicciones.

Es la alienación objetiva del individuo ante los hechos que promueven. Contradicciones de un proyecto que político que se extingue. ¿Qué no es posible? Todo es posible en la dimensión kirchnerista...

Gustavo Contarelli

¿Tecnópolis o Kristinópolis? Un modelo de propaganda política

Sat, 13 Aug 2011 12:39:50 +0300

Tecnópolis, nave insignia de propaganda política del cristinismo, enfrentó desde su corta vida, una multiplicidad de escollos: habilitación del predio, pugna con el macrismo, sus falacias discursivas del desarrollo nacional, etc. Pero la más importante e irresoluble, es la contradicción última del peronismo posmoderno: el kirchnerismo. (1)

Piedra de Sísifo, entender esta versión de populismo en mutación constante. ¡Epistemólogos y cientistas sociales abstenerse! Pese a este aserto, deslizamos algunos signos discursivos y evidencias para conformar el presente relato.

El primer desliz gubernamental de la criatura Tecnópolis (léase Kristinópolis), es su identidad: habiendo tenido partida de nacimiento (15 de julio de 2011), no se sabe a ciencia cierta, su partida de defunción. Tribuna de Periodistas consultó a fuentes calificadas, que sentenciaban entre potencial y dubitativo: el 22 de agosto del corriente. Que el secretario legal y técnico, Oscar Parrilli, dejó entrever una eventual dilación hasta octubre (según vayan las encuestas preelectorales de la Sra. Cristina Fernández), etc. Queda claro la utilización de esta usina de propaganda política, como mascarón de proa.

Karl Marx, sostenía que la diferencia del trabajo humano con el de las abejas, era que los primeros, ya sabían el fin de su obra antes de realizarla. (2) Los intelectuales inorgánicos /primitivos que rodean a la presidente, deberían asesorarla al respecto. Redimo esta concepción ideológica, pues ciertos soldados del grupo Carta Abierta —intelectuales K (3)— , abrevaban en las mieles del notable filósofo alemán, en el paroxismo neoconservador de los ´90.

Unidad Bicentenario: unidad básica de “los compañeros”

“La Unidad Bicentenario”, el ente encargado de la organización de la muestra, ha detallado que el objetivo es “dar a conocer la tecnología de punta de la Argentina y las posibilidades del trabajo del sector público, privado y de la sociedad civil”. Divide a la magna exposición en cinco continentes: agua, tierra, aire, fuego e imaginación. Cincuenta hectáreas albergan el predio donde funciona el parque temático. En el mismo se recrean doscientos años de historia científica. Un mix de museo-y producción tecnológica moderna, dan rienda suelta a la nostalgia y a los sueños…

Bienvenida a medida: la ornamentación de la TV. Pública (canal 7), emitiendo contenidos redentores del Proyecto Nacional y Popular

Al recorrer el insondable predio, agregamos un sexto continente: la ética aplicada. Tras una deontología de autor, verificamos que lealtad y militancia K acercan al empleo: de los 160 (ciento sesenta) guías permanentes —reclutados de Ciencias Exactas (UBA), UNTREF, La Cámpora— singularmente atravesados por el cristinismo salvífico. El resto de los RR.HH. lo acercan Ministerio de Ciencia / Tecnología y la Unidad del Bicentenario.

Si bien hay trabajadores de planta permanente, la mayor parte es contratada a plazo fijo. Luego de una capacitación, acceden a su empleo. Consultamos en Sector Visitantes, y casualmente, no ven los recibos de haberes, para verificar si empleo es formal o no (aportes /cargas sociales etc.).

En consonancia con el trabajo no formal, la Sra. Fernández tuvo otro tropiezo K. Fue en oportunidad del lanzamiento del satélite SAC-D/AQUARIUS: “hace diez años lanzábamos piedras, ahora estamos lanzando cohetes y satélites”. Hubo una reacción generalizada de científicos y técnicos de carrera que laboran en dependencias aeroespaciales del Estado. Nuestro país cuenta con una historia rica en desarrollos cinéticos-tecnológicos de más de seis décadas. De hecho, gran parte se exhibe con orgullo en Tecnólopis. En relación a este dato —en proporción de inversión de PBI en ciencia y tecnología—, hubo mayores emprendimientos estratégicos por aquellos años, que en los actuales (¿?).

Pero como pasa con la inflación, la propaganda política de Kristinópolis, se precipita como suben los precios. Por ello, la urgencia de acoplar el sexto continente a la muestra: el ético. ¿Ética y Kirchnerismo, son compatibles?

Los blindados (como los aviones): los preferidos de grandes y “bajitos”. Cuenta curiosa, los grandes desarrollos tecnocientíficos datan de etapas anteriores a la era k (¿?)

La ética K está inserta en la dinámica de la propaganda política, como vemos en la megaexposición de marras. Si bien se puede argüir: ¿qué administración política, haría lo contrario ante esta bandeja así servida? Tal vez…pero cuidaría con celo, el aporte ominoso de la propaganda para su aljibe.

¡No todo es negativo en Tecno-Kristinópolis! (4). Por un lado, la magnífica idea de un nuevo concepto, donde una síntesis de estéticas y museos se insertan en la modernidad con los nuevos desarrollos tecnológicos. Al paso que ejércitos de guías, nos participan de un viaje placentero por el tiempo. Un tiempo de argentinidad y patriotismo, que ilustra, enseña y divierte. No es poco.

Una y mil veces más: la concepción “quintaesencial” del periodismo es el contrapoder. Necesariamente es contrapoder. O se terminará operando para alguno de ellos…

En fin, el problema capital de la administración kirchnerista, está relacionado con la percepción que tienen los individuos que la integran, sobre ellos como sujetos de cambio histórico. Es la alienación objetiva del individuo ante los hechos que promueven (5). Concluido el relato, hacen todo lo contrario a sus palabras. La teoría de la contradicción humana, es aleccionadora y superadora. Da conciencia de libertad. Ya lo predicó el prócer Salvador Allende, en inmortales palabras: “más temprano que tarde, se abrirán las alamedas, por donde pase el hombre libre”…

Gustavo Contarelli

Referencias:

- Agradecemos al Sector Prensa de Tecnóplis por la información suministrada.

1) Cfr: Contarelli, Gustavo: La televisión basura y los artistas genuflexos

“Estructura K”= Kircherismo, etc: voz que designa en la Argentina la pertenencia a la ideología del ex presidente Néstor Kirchner y flia. La letra K como simbología reproductora de sus propias contradicciones.

Nota: sobre la denuncia de Jorge Macri, sobre la rezonificación de esas tierras y la puerta de entrada a un negocio millonario inmobiliario, se puede entender también por la indecisión del futuro de esas instalaciones. Aquellos que tienen que dar explicaciones, no lo hacen. Muy sugestivo.

2) Cfr.: Garaudy, Roger (1979) “Militancia marxista y experiencia cristiana” / Garaudy en Barcelona/ Laila Ed., Barcelona.

3) Cfr.: Contarelli, Gustavo: Mamarracho bicentenario

4) ¡No todo hace mal este gobierno! Varias veces, me ha retado y con razón (por no señalar los aspectos positivos), un gran amigo y excelente periodista: Néstor Genta. Honestidad intelectual obliga.

5) Cfr.: Schaff, Adam“(1995) “¿Qué ha muerto y qué sigue vivo en el Marxismo? Tesis 11 Grupo Editor, BS.AS. Ver cap: “La teoría marxista de la alienación”. Pág. 9.

Texto y Fotografías: Gustavo Contarelli

Copia certificada

Sat, 06 Aug 2011 12:02:53 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Copia certificada / Copia fiel

Título original: Copie conforme

Dirección y Guión: Abbas Kiarostami

Género: Drama – Apta para todo público

Reparto: Juliette Binoche, William Shimell, Agathe Natanson, Jean-Claude Carrière, , Agathe Natanson, Gianna Giachetti y Adrian Moore.

Web: http://www.ifcfilms.com/films/certified-copy

Fotografía: Luca Bigazzi – Distribuidora: CDI Films

Producción: Marin Karmitz, Nathanël Karmitz

País: Francia, Bélgica, Italia - Año: 2010 - Duración: 106 min.- Estreno Argentina: 28/07/11

Drama psicológico / intelectual bifrontal: ¿cuál es el concepto que tenemos sobre el valor de los objetos materiales? ¿Y sobre el amor, según pasan los años? La percepción que tengamos de la realidad es cultural.

El director del film Abbas Kiarostami nos coloca ante un drama central y sus circunstancias. Opta por la utilización de las artes combinadas para aleccionarnos. A través de silogismos referentes a la escultura y la plástica, nos coloca en autos referenciales. Las copias son valiosas porque muestran al original y de esta manera certificamos su valor, conceptualiza el escritor protagonista (William Shimell). Rescatando ideas sobre original, verdadero o falso.

Es la historia de un encuentro entre un hombre (el escritor británico), y una mujer francesa, dueña de una galería de arte. Como escenario continente, encantadores parajes al sur de la Toscana (Italia). Bajo el paraguas de un tema universal: el amor, la construcción de diálogos, la confrontación intelectual que asedia respuestas.

El rodaje transcurre en Arezzo —una pequeña comarca de la Toscana—, donde los protagónicos deambulan buscando respuestas. Como excusa el turismo que abre el apetito visual del espectador. Un regadero de museos, obras de artes y una atmósfera cultural latente, surca las miradas de los amantes. Un montaje ideal para que el debate continúe.

El cine que nos propone Kiarostami, es de “confrontación dialéctica”: dos sujetos afirmando, negando y sintetizando con distintas perspectivas. Similar a la mayéutica socrática, donde la noción de verdad es captada por sus autores. Atravesada por el modernismo, el teléfono celular de ambos, dará el tono histriónico a dichos encuentros verbales. Esta modalidad de “cinematografía de tesis”, tiene por correlato el encuentro y reflexión con el público. Un cine de autor intelectualizado, pero no barroco ni cansino. Es un género de ensayo, donde la palabra final la posee cada espectador. En tesis abierta, es el amor de pareja en discusión.

Curiosamente, el director no habla de cine, sino de escultura y pintura. No es casual este entramado. Es el arte y sus tradiciones, que interpelan y conceptualizan valores como belleza, armonía natural, amor y desamor. Desde esa perspectiva cuenta una historia de amor de largo aliento.

Idas y vueltas de un texto, que se expresan posterior a la escena de la mesera dialogando con Juliette Binoche (la protagonista). Donde la primera confunde al escritor (William Shimell), con su pareja. Para esta crítica, una de las mejores secuencias del film —por lo jugado—, es a la vez, un punto de inflexión a lo desconocido a futuro. Ella decide con complicidad del escritor, jugar a este rol (aceptar al otro, como si fuera su marido real). El se presta a esta impostura, y las conversaciones casuales se fijan en contiendas de larga duración: un matrimonio de quince años de antigüedad, en disputa coloquial.

A partir de este momento, el quiebre de un texto sin fusuras. Quizá en esta ambigüedad, se quiera explorar junto al espectador, un ardid para romper con la monotonía de un matrimonio en conflicto que pide ayuda. Incluso, con partenaire a turistas elegido con astucia.

Juliette Binoche magistral en el cambio de roles: una madre preocupada por su hijo adolescente; misteriosa a la hora de hablar de su hermana; atractiva y sensual al confrontar con el escritor. Premio Mejor Actriz Festival de Cannes

Curiosidades se han visto: el barítono William Shimell, en la piel del escritor británico que presenta un libro best seller. Punto inicial de la historia. En su primer papel para el cine, cumple con suficiencia su rol de intelectual. No claudica ante la audacia de una mujer, que lo arrincona sobre las cuerdas del “ring de la vida”. Al tiempo que Juliette Binoche, despliegue sus dotes de exquisitez y alta dramaturgia.

La primer parte del film, hace referencia a lo real, a lo original, por su exposición estética y su lenguaje. Mientras que la segunda, una simulación algo confusa de la relación de los protagónicos (¿pareja real o ficticia?), entra en un cono de sombras. Las buenas copias, muchas veces, encuentran y seducen a un gran mercado, dentro o fuera de los museos…

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 4Tribunas.
Puntaje actor protagónico: Juliette Binoche 5 Tribunas ¡imponente!

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

¡El boxeo bien vale un museo!

Sun, 31 Jul 2011 13:29:22 +0300

En cada vitrina, nos espera una aventura. Buenos Aires, la usina productora de cambios del país, también lo fue en el boxeo. Corría el año 1925, cuando oficializaba la práctica de este deporte redimiéndolo del ostracismo de las prohibiciones (1). Luego, el resto de la nación siguió su ejemplo. Hoy como ayer, la “Reina del Plata” nos propone rendir un merecido homenaje, a los hombres que erigieron el noble deporte de los puños.

La muestra “El Box y Otros Deportes de Ayer”, es una inmejorable oportunidad para encontrarnos con la nostalgia. Un lugar de cruces con el pasado que interpela y alecciona. Metro a metro recorrido del museo, y la atmósfera heroica de gladiadores inmutables, se encarna en los visitantes de la sala.

Prevalece el boxeo sobre los demás deportes. La densidad de las ornamentaciones expuestas en el perímetro, hace posible este aserto. La sección “Boxeo” de esta exposición itinerante, pertenece a la colección privada del curador Sergio García.

Guantes y guantines: “¿cuántas cosas hay detrás de un guante? Ganas de ser campeón, sacrificios, sueños, alegrías, tristezas, historias inimaginables” Conceptos del curador de la muestra. Así nació todo.

Entrevista a Sergio García “El Coleccionista”

-¿Cómo se despertó su vocación de coleccionista de boxeo?

-Don Ángel Prada, hermano del legendario boxeador Alfredo, me obsequió un guante de la mano derecha del año 1950 - utilizado por Alfredo-, y ahí se despertó mi pasión por el coleccionismo. Nunca practiqué este deporte, a mi me gusta correr maratones cuando puedo, y me atraen los deportes en general.

-¿Tiene algún objeto predilecto de su extensa colección?

-Para mí, todos los objetos de la colección son valiosos. Cada pertenencia que consigo es un trofeo. Poseo guantes y la libreta (licencia) de boxeador de Pascual Pérez, que fue nuestro primer Campeón Mundial. Poseo la medalla de Luis Ángel Firpo, nuestro primer boxeador reconocido de la década del 20, y otras pertenencias todas importantísimas, como los guantes de Monzón y Locche.

-¿Qué lleva a los hombres a ser cuidadores y restauradores del pasado?

-Yo respeto a todos los coleccionistas, cada uno tiene su particularidad. Lo que tiene mi Colección es que es única. Así la tengo registrada como “Colección Única Sergio García”. En mi Colección el público puede apreciar pertenencias de personas famosas del mundo boxístico, quienes son parte de la historia de nuestro deporte y cultura de nuestro país. Hasta donde se, soy el único en el país.

-¿Hay alguna relación entre Ud. y la Federación Argentina de Box (FAB)?

-La FAB me conoce ya que expuse varias veces en su sede. Siempre me cedieron un lugar, pero nunca nada más que eso. Estaría bueno que a través de la FAB, se difundiera lo que yo realizo y que clubes y gimnasios de todo el país supieran de mi colección, e interés de preservar la memoria de estos deportistas…

-¿Cuál es su perspectiva de crecimiento para el futuro?

-Anhelo seguir atesorando nuevas pertenencias para esta colección e instalar un Museo o Hall de la Fama Argentino. Hace tiempo que llevo golpeando puertas, solicitando algún tipo de colaboración económica, sin haber obtenido respuesta favorable hasta el momento. Me gustaría que Deporte o Cultura se hicieran eco de mi petición, para poder sostener y para poder llevar la Colección por todo el país.

-Pronto saldrá un libro de su autoría al respecto…

-Mi libro es un documento testimonial. En él, relato como formé mi Colección.

-Quisiera conceptualizar su obra; plasmarla en un utilitarista “ring de ideas”; ¿el fin último de sus actos?

-Siempre les digo a los boxeadores: con lo que yo realizo ellos jamás mueren, siempre están vigentes. El público visitando mis exposiciones, viendo sus pertenencias y sus fotos, los recuerda.

Cancelados los “rounds” de la entrevista, seguimos viajando en el tiempo de los recuerdos. Momentos de la cultura argentina, que se expresan mediante el deporte y la pasión. Esa pasión que recoge como eco las paredes de la muestra. Y se manifiesta en la gran cantidad de visitantes nacionales y extranjeros. Es el fetichismo de los objetos, y las ideas de los espectadores hacen que cobren vida…

Víctor Galíndez y Carlos Monzón: el primero un “pegador /acometedor”; el segundo un “jabeador / estilista”. Temperamentos disímiles. La prensa de la época sacaba chispa a esta relación. Ambos, notables campeones mundiales en su categoría.

Soga de un ring (centro): en el que combatió Oscar “Ringo” Bonavena. El pasado se corporiza en una vitrina. Sólo faltan los míticos ravioles de su madre Doña Dominga.

Calzados de los gladiadores de ayer, hoy y siempre: (izq. a der.) Horacio Acavallo —junto a una plaqueta—, Julio Vázquez, Hugo Garay, Juan “Látigo” Coggi. Huellas de esperanzas, que mecieron “las noches del Luna”.

La travesía por la Historia del Boxeo, llegó a su fin: un concierto de emociones empecé a sentir. La fotografía del pasado, me revela que ser feliz, es aquí. Las mil cosas diferentes de la narración visual, es como yo, y como Ud.: ¡un aventurero del Boxeo! (2).

Y las voces de la pasión que cuestionan: ¿Adónde vas? ¡Quédate en Buenos Aires, si todavía suenan los sagrados golpes en el Luna Park!...

Gustavo Contarelli

Museo de la Ciudad: Defensa 219 / 223

Horario: lunes a domingos y feriados de 11 a 18hs.

Entrada: $ 1. Lunes y miércoles gratis.

Tel.: 4331- 9855 /4343-2123

e-mail: museodelaciudad@buenosaires.gob.ar

Web: www.museodelaciudad.buenosaires.gob.ar

Actividades del Museo: Curso de Safari Fotográfico – Taller armado de jueguetes- Conferencias de interés gral.- etc.

Referencias:

Nota: Agradecemos la cordialidad y la información suministrada por la Arq. Lucila Araujo, del Museo de la Ciudad de Buenos Aires.

1) Moñita, Pedro Pablo (1998). “El Arte de los Puños” (Manual Técnico Didáctico), Edición del autor, Bs. As.

2) El periodista autor de este artículo, es Director Técnico de Boxeo (DT),

diplomado y matriculado de la Federación Argentina de Box (FAB).

“El Box y Otros Deportes de Ayer”, en el Museo de la Ciudad, podrá visitarse hasta el 25 de Septiembre de 2011. Una cita de honor para los amantes del deporte de los puños enguantados.

( Texto y Fotografías: Gustavo Contarelli)

De dioses y hombres

Sat, 23 Jul 2011 12:42:00 +0300

Ficha técnica

Título para Latinoamérica: De dioses y hombres

Título original: Des hommes et des dieux

Dirección: Xavier Beauvois

Guión: Xavier Beauvois y Etienne Comar

Género: Drama – Solo apta mayores de 13 años.

Reparto: Lambert Wilson (Christian), Michael Lonsdale (luc), Jacques Herlin

(Amédée), Philippe Laudenbach (Célestin), Xavier Maly (Michel), Loïc Pichon

(Jean-Pierre), Olivier Rabourdin (Christophe), Jean-Marie Frin (Paul), Olivier Terrier (Bruno).

Montaje: Marie-Julie Maille - Producción: Martine Cassinelli y Frantz Richard

Fotografía: Caroline Champetier – Distribuidora: Energía Entusiasta

País: Francia, Año: 2010. Duración: 120 min. Estreno Argentina: 07/07/2011. El film del director Xavier Beauvois, se convertirá por derecho propio en un puerto obligatorio a la hora de conceptualizar dramaturgia social-religiosa. Una obra de autor, que escapa a preconceptos y clisés y nos pone ante la disyuntiva del ser humano a la hora de elegir: por la integridad de una comunidad religiosa, o por la dependencia social que un pueblo tiene con dicha obra.

El libro de la película ha sido confeccionado merced al revisionismo histórico reciente. Basado en hechos reales, tomando como hipótesis más precisas a la referida implicancia del ejército argelino en el secuestro (26 de mayo de 1996), y posterior asesinato de siete de los nueves monjes cistercienses. Dos zafaron del penoso final en circunstancias “tragicómicas”.

Des hommes et des dieux (De dioses y hombres)- mejor sería traducir “de hombres y de dioses”, no pretende narrar el integrismo religioso post colonialismo argelino, sí, una lección antropológica de hermandad inter-étnica. “Los unos” (los monjes franceses), y “los otros”, la comunidad musulmana - en las montañas del Magreb-, viviendo en perfecta paz y armonía.

El paraíso profético de entonces, se ve jaqueado con el asesinato de unos trabajadores croatas, en manos de una célula integrista islámica. La angustia y el estupor se apoderan de la región, y una patrulla del ejército argelino, ofrece custodiar las cercanías incluyendo el monasterio. Dicha ayuda es rechazada- no sin cabildeos- que le traerá dolores de cabeza al líder del grupo religioso el hermano Christian (Lambert Wilson).

Beauvois presenta un relato visceral y realista. Montará una serie de dispositivos cinematográficos, para darles vigor y naturalismo a estos monjes residentes del Monasterio del Atlas, en Argelia. Recorre tres años de dicha comunidad religiosa (1993/96). Durante los cuales se ve la obra asistencial de ayuda de estos bienaventurados: con su médico curando a los pacientes de la vecindad, con sus productos del campo alimentando a los necesitados, etc.

Yendo a los dispositivos en sí, notamos una exquisita muñeca del director a la hora de ponerlos en práctica y con éxito. Trabajando con los “tiempos muertos” (largos espacios y silencios, que parece no ocurrir nada, pero que sin embargo sucede y mucho…); las “imágenes o ruidos cristalizados”, que dan la base a la escena que se juega. En primer término: silencios y respiraciones profundas con sonido amplificado (cargan de tensión al cuadro escénico). En segundo lugar: llaves y puertas que se abren y cierran – filmada con cámara montada al hombro, el momento culmen-, cuando son secuestrados los monjes del monasterio.

Pero sin dudas, la escena relevante y que marcará un hito dentro de la cinematografía contemporánea, es la referida a lo que llamo “La Última Cena”. (momentos antes del secuestro de los religiosos): en majestuoso plano travelling, la lente de la cámara disfruta posando sobre los rostros de los monjes. Un increíble calidoscopio de gestos dramáticos, da vida a una escena memorable. La tensión, el amor que se profesan como cuerpo místico, el futuro trágico que abreva en la atmósfera y la resignación… (¿?) ¿Cómo saber lo que ocurre en cada cerebro cuando el cadalso está presto y llama a cada puerta?

El cónclave de los monjes franceses: minutos antes de la “Última Cena”. Una magistral historia de convivencia religiosa-social difícil de olvidar.

Momentos de toma de decisiones. Las preguntas han quedado en el pasado. Todos han optado por quedarse y no volver a su país de origen. La imagen universal de “la mesa”, como centro de atención y conciliábulo obligatorio, también sellará su destino.

Galardonada con el “Gran Premio del Jurado” (Festival Cannes, 2010), este film de imponente dramaturgia, nos redime de la insoportable levedad de lo cotidiano; nos eleva. En boca del fraile Christian (exquisitamente interpretado por Lambert Wilson) “el amor espera todo; el amor perdura para todos”…Incluso, más allá de la vida.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 5 Tribunas ¡Imperdible!
Puntaje actor protagónico: Lambert Wilson (Christian) 5 Tribunas

Referencias:
5 Tribunas: excelente/imperdible
4 Tribunas: muy buena
3 Tribunas: correcta - buena
2 Tribunas: regular
1 Tribuna: mala/pésima

Los agentes del destino

Sat, 09 Jul 2011 10:45:02 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Los agentes del destino

Título original: The Adjustment Bureau

Dirección: George Nolfi

Guión: George Nolfi, basado en el libro “The Adjusment Team”

Género: ciencia ficción / thriller romántico – Apta para todo público

Reparto: Matt Damon (David Norris), Emily Blunt (Elise Sellas), Anthony Mackie (Harry Mitchell), Terence Stamp (Thompson), Anthony Ruivivar (McCrady), John Slattery (Richardson).

Fotografía: John Toll – Música: Thomas Newman

Edición: Jay Rabinowitz - Distribuidora: UIP

País: EE.UU. - Año: 2011 - Duración: 104 min.- Estreno Argentina: 16/6/11

Thriller de ficción-romántico, que despierta sensaciones ambiguas vinculadas a la aceptación o negación de la película. Tópico universal el destino, con atravesamientos religiosos-paganos, y el sempiterno espacio para los “hermanos superiores” de nuestra alicaída tierra que nos protegen. Muchas aristas, buenas intenciones pero poca solidez conceptual de la historia.

The Adjustment Bureau (Los agentes del destino), nos propone transitar “el libre albedrío” pero desde otra perspectiva: la neopagana. Afuera quedó la trillada argucia religiosa de un Dios Todopoderoso que nos observa desde un cielo omnipresente y deja a los pobre humanos todo, menos su destino. Si hay predestinación, no hay lugar para un destino consumado voluntariamente por los sujetos pensantes.

El albedrío que nos propone en su film George Nolfi (autor también del guión), es escrito y leído en clave posmoderna y pseudocientífica: los fascinantes —para la ficción— “hombres de gris” (con sombreros como valor agregado, para desplazarse por los “espacios-tiempos de la materia”). Son los “hermanos mayores” de los humanos, producto de la evolución cósmica exobiológica (extraterrestre). Guardines de nuestro destino como planeta, nos controlan por temor al Apocalipsis como género biológico. No se puede alterar el orden universal, asienten. En el relato aparece el nombre del “Creador”, pero no sondea este artilugio discursivo.

Es más, el albedrío propuesto por estos seres uniformados es minimalista: podemos elegir el color de nuestras camisas, la dieta a seguir, y ese tipo de elecciones. Las mayores no nos pertenecen. En este contexto, se inscribe la trama que protagonizan Matt Damon (David Norris) y Emily Blunt (Elise). El, un aspirante a congresista americano; ella, una bailarina de carrera con un futuro promisorio. La mesa está servida para el romanticismo y suspenso, a no ser por el destino que tienen los hombre grises para esta desafortunada pareja.

Así, los amantes serán jaqueados una y otra vez, por un destino extraño que los asedia. Un destino empecinado en separarlos. ¿Podrá la “energía crística” (SIC) —algo así como energía universal cósmica panteísta—, vencer la convicción y voluntad humana del amor? Cuando el lenguaje es esquivo encriptado en el esoterismo de la ficción, todo puede ser. Los amantes de este género literario y fílmico de parabienes.

Desde el lenguaje cinematográfico, el guión nos remite a las teorías conspirativas más esquivas: desde Matrix, Illuminatis, Reptilianos, Club de Roma o los Anunnaki, El Origen, etc.

Tópicos que así planteados, dejan al film en un plano muy superficial, poco sesudo. “El viejo truco” de los disciplinadores sociales; nos vigilan y no sabemos quién está detrás de todo esta arquitectura panóptica. Hora de plantear otro intríngulis: el del miedo. Un paralizante de la sociedad civil organizada. Algo que sí saben bien los americanos, pero desde la esfera política con la Administración Raegan hasta la fecha.

“Los hombres de gris”: una interesante vuelta de tuerca a la ficción. Faltó solidez en una historia que naufraga por su inconsistencia.

Desafortunadamente el director Nolfi, va por el impacto emocional por sobre la conceptualización de lo visual y cognitivo. Así mismo hay que destacar la excelente estética fílmica lograda por una conjunción: montajes, planos formidables, y música propiciatoria inteligente. Por nombrar sólo algunos: los planos travelling en el imponente Rockefeller Center, en el estadio deportivo de New York Yankees, etc.

La ciudad de New York es la vedette de una estética enriquecedora ilimitada. No es fácil lograr una fotografía de tan buena resolución y ponderación. La fotografía de John Toll es exquisita. ¡Fotografía artística para exigentes! Fotografía que salvó la historia de una caía inexorable, pese a los ingentes esfuerzos de los hombres de gris, ahora con sombreros…

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 3Tribunas.

Puntaje actor protagónico: Matt Damon (David Norris) 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas: excelente/imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta - buena

2 Tribunas: regular

1 Tribuna: mala/pésima

El fantasma de la “B” capturó al equipo de Nuñez

Wed, 29 Jun 2011 09:56:10 +0300

Te acordás hermano qué tiempos aquellos… (1)

Ya es historia: el equipo de fútbol del Club Atlético River Plate de Buenos Aires, jugará los días sábados. El Nacional B será su nuevo continente. Si hasta el mismo calendario, no sale de su asombro. Y sus hinchas tampoco. Una tarde gélida y un cielo gris plomizo fue el escenario de una pérdida deportiva, la divisional de privilegio, la Primera División del Fútbol argentino. Por primera vez en sus 110 años de historia.

El resultado poco interesa; tampoco a quién endilgarle responsabilidades, sostienen muchos allegados y simpatizantes. El martes —un día antes del partido de ida con Belgrano (que ganara el equipo cordobés por 2 a 1)—, una alta fuente calificada de la institución de Nuñez, me relataba el clima organizacional del club: “se le pidió al DT. Daniel Passarella que se hiciera cargo el mismo del primer equipo, y no quiso” (2). Luego nos enteramos que el Presidente de la institución, firmaba autógrafos en el Hindú Club (Don Torcuato), dando muestra de su apoyo con su acto de presencia. ¿Se acordó un poco tarde de este aporte? (3)

Ahora en más, se abrirá un volumen importante de relatos de distintos géneros: racionalistas, voluntaristas, redentores (repatriando jugadores internacionales como salvadores), oportunistas, hasta realismo fantástico. Todo puede ser… De una afirmación sí estoy seguro: quitar de nuestro léxico el drama o la tragedia que supuestamente conlleva la pérdida de categoría de una división.

Nos olvidamos que el fútbol es un deporte, aunque de relevancia en el país, sigue siendo eso: una puja atlética con un fin de superación de proezas físicas dentro de un reglamento. No más allá de esto. Caso contrario, se está contribuyendo a alentar sesgo de violencia en el relato. Principalmente por la contribución que hacen muchos periodistas deportivos introduciendo lenguaje belicista a su labor.

Mientras tanto, de una afirmación estoy seguro de ahora en más: la nostalgia que guardarán miles de siluetas humanas, en ese recorrido desde la estación de Nuñez al Monumental, todos los domingos. Toda esa liturgia, los rituales consabidos cuasi-familiares, serán añorados. El cambio de día no es algo menor. Una costumbre histórica, ética, no muta en horas. Te acordás hermano qué tiempos aquellos…

Refutando mitos

Un gran maestro del Periodismo de Investigación, Manuel Calvo Hernando, sostiene como deberes máximos del periodismo: informar, enseñar y sensibilizar (4). Mentir, o hacer pasar por verdades objetivas, parte de una información —sin expresar las restantes—, es manipular o engañar.

Pues bien, esta semana como nunca, la mediocridad de ciertos personajes con micrófono en TV. es manifiesta. Por ej: Fernando Carlos (Telefe), repetía sin parar. “River Plate es el más grande, ya que es el equipo que ganó más torneos locales, 33 campeonatos”. Mientras que el xeneize, sumó 22. Este aserto es verdadero,¿pero qué se tiene en cuenta para determinar la grandeza de una institución deportiva? ¿Los títulos nacionales, “domésticos” o los internacionales? Si nos importa esto último la respuesta es otra: Boca Juniors (Argentina) posee 18 títulos internacionales, similar número el Milan (Italia), seguido por Independiente (Argentina), con 16 trofeos.

En la síntesis de torneos nacionales e internacionales, los guarismos dejan mal parado al ahora descendido River Plate: Boca Juniors, cosechó hasta la fecha 49 títulos, mientras que River 39. Ah, tanto Boca como Independiente, el rojo de Avellaneda, “son los únicos dos equipos de los cinco grandes que no descendieron nunca en la historia” —sí lo hizo: San Lorenzo, Racing, y ahora River— (5) Como vemos, el Sr. Carlos al (des) informar deforma la realidad. Todo un alumno aventajado de su ad látere, Germán Paoloski. ¿Sabrá este dúo dinámico de la desinformación el significado de Xeneize?

Por lo visto, la grandeza de un club deportivo y su validación es muy subjetiva. Para cada simpatizante / socio / hincha, sus colores son los “más grandes”, y eso es lo relevante para cada individuo. Su apreciación es lo que cuenta. Pero hay más, la peor campaña en la historia del Xeneize se registró en el año 1949. Boca debía ganar ante Lanús en la Bombonera. Resultado final: 5 a 1. Salvado del temido descenso, desde entonces, el equipo de la rivera, quedó en la historia como el de la garra, la lucha, y su hinchada como la más fiel. Nunca terminó último en campeonatos oficiales de AFA y con record en ventas de entrada pese a su magra campaña.

Diagnóstico y pronóstico

Magno cartel de bienvenida: Antonio Vespucio Liberti, fue presidente del Club River Plate en cuatro oportunidades. El estadio se construyó bajo su presidencia. Una dirigencia orgullo, de un pasado que no vuelve.

Una buena disciplina intelectual, es volver a las fuentes de la historia que nos alecciona: Antonio Vespucio Liberti (1902-1978) fue presidente de la institución en cuatro oportunidades. El estadio “Monumental” lleva su nombre en homenaje a este prolífico dirigente político. Era conocido con el apodo de “Gordo Liberti”. Hijo de genoveses, empezó como asistente en River llevando material de utilería a los jugadores. Bien de abajo en sus inicios, llegó por primera vez a la presidencia entre 1933 /35. Es el espíritu y moral de este dirigente, el norte de la desahuciada comisión directiva del presente. (6)

No es buen un puerto de diagnóstico - luego del descenso tan temido-, los remañidos recursos de “echar culpas a terceros”, eso atrasa por lo menos cincuenta años. Por Ej: se llegó a la actual situación por los árbitros que lo dirigieron, que todo fue un plan urdido desde la AFA, por el sempiterno Julio Grondona, que es por “Juana y la de su hermana”. “El viejo truco” de la culpabilidad en terceros, deslindando las propias. Esta teoría ha sido refutada de la mano de las ciencias de la administración. A tener muy en cuenta que el club malogrado, dejará de percibir salarios de primera: por regalías de transmisiones de TV. recibía 28 millones de pesos. Hoy en la B, sólo entrará a sus arcas, la friolera de 4 millones. ¿Qué hacer entonces con el mantenimiento de una institución de esta magnitud? Inteligencia y ética aplicada para comenzar.

Es en los peores momentos de las crisis, que se sale con mayor fuerza. No hay espacios insondables. La patencia se refleja ante los ojos. Lugar de la conjunción de distintas mentalidades /inteligencias, para un programa de acción a mediano/largo plazo. Es el espacio para realizar todas las preguntas al “paciente River Plate”, escuchándolo, para formular un diagnóstico definitivo. Sólo así, con inteligencia y voluntad proyectada a futuro, se logra cosechar un buen pronóstico deportivo para cualquier empresa de riesgo. De no tomar este tipo de iniciativas, el llamado “fantasma del descenso” seguirá durmiendo la siesta, sobre los ladrillos de una institución abandonada. La llamada nota de color, puesta por el Burrito Andrés, continuará pronosticando la más profunda de todas las madres de las derrotas: la estupidez.

Instituto Terciario River Plate: apostar a la inversión en educación superior. Un excelente camino para el cambio institucional.

Tendrá que vencer la resistencia a ese cambio, ¿podrá?

Gustavo Contarelli
Texto y fotografías

1) Estribillo del tango: “Tiempos Viejos”. Letra de Manuel Romero.

Música de Francisco Canaro, compuesto en 1925

Ver: http://www.todotango.com/spanish/las_obras/Tema.aspx?id=BVb2mNp/niQ=

2) La fuente consultada (dirigente), se notaba visiblemente preocupada y resignada.

3) Clarín, diario: art. “El equipo llega a la cita con un jugador clave: su gente” (26-5-11), Deportes, pág. 71.

4) Hernando, Manuel Calvo (1982) “Civilización, Tecnología e Información” (El Periodismo Científico). ED. Mitre, Barcelona.

5) Cfr.: http://www.solofutbolnet.com/equipos/historia-de-river-plate.php

http://www.rivermillonarios.com.ar/wiki/Historia_De_River_Plate

http://www.infofutbolonline.com/torneos/equipos_mas_ganadores.htm

http://boquitajuniors.tripod.com/curiosidades/curiosidades.htm

6) Ibídem: http://www.rivermillonarios.com.ar/wiki/Historia_De_River_Plate

Blue Valentine

Sat, 25 Jun 2011 11:26:04 +0300

Ficha técnica:

Título para Latinoamérica: Blue Valentine

Título original: Blue Valentine

Dirección: Derek Cianfrance

Guión: Derek Cianfrance y Cami Delavigne, Joey Curtis

Género: Drama / Romántica – Solo apta mayores de 16 años.

Reparto: Ryan Gosling, Michelle Williams, Faith Wladyka, John Doman, Mike Vogel, Marshall Johnson, Jen Jones, Maryann Plunkett, James Benatti, Barbara Troy, Carey Westbrook, Ben Shenkman, Eileen Rosen, Enid Graham.

Web: www.bluevalentinemovie.com / Distribución: Distribution Company

Fotografía: Andrij Parekh – Música: Joe Rudge

Producción: Doug Dey, Jack Lechner, Rena Ronson

País: EE.UU. - Año: 2010 - Duración: 112 min.- Estreno Argentina: 02/06/2011

Blue Valentine es más que una simple triangulación dramática /romántica: es el amor que se interpela a sí mismo; el amor que busca su legitimación utilizando a los sujetos involucrados como marionetas de un pasado que vuelve y un presente que jaquea el porvenir.

Una historia de amor de encuentro y desencuentro. Un guión de rigurosa honestidad intelectual y dinámica. La trama pone en el escenario de Cupido a Dean (Ryan Gosling) —un pobre y humilde muchacho de barrio—, y Cindy (Michelle Williams), una estudiante crónica que destroza corazones a su paso.

Ambos, mediante el recurso del flashback (escenas retrospectivas), ven narradas sus vidas en un pasado reciente y proyectadas en un presente permanente. Las distintas etapas de este proceso quedan expuestas para el conocimiento del espectador. Un noviazgo romántico. y el ríspido presente que los involucra con una hija no buscada.

Hay una falsa percepción crítica: deducida de la insatisfacción de Cindy, con su noción de progreso vinculado a estudios superiores y la plácida vida colmada de placer de Dean. No son dos sujetos confrontando espacios de poder en la pareja. El viraje de la historia posee aristas existenciales de ambos individuos: sobre la fundamentación y la necesidad de amar y ser amado. Desde esta perspectiva, el sabor disímil de un guión que posee concomitancias con los de la multifacética artista francesa Julie Delpy (Antes del Atardecer - Before Sunset, 2004).

La narrativa del film de Derek Cianfrance es optimista. Una rápida lectura de su Cupido cinematográfico cae en la trampa y se diluye el núcleo conceptual del guión. El amor está a cada instante de nuestros instantes, sólo hace falta redireccionarlo, entenderlo y practicarlo. Esos ojos llenos de lluvia de los protagónicos es la nostalgia de los amantes que nunca se olvidan.

Michelle Williams: dulzura y belleza que envuelve y paraliza. El amor necesita espacios para repensarse a sí mismo, sostiene la protagonista

La construcción de los retratos de los distintos compañerismos en la pareja es realismo de alta pureza. El “verosímil” de los personajes conjuga naturalismo estético, poco visto en la pantalla grande... La empatía de los protagónicos es sin dudas un elemento de cohesión narrativa. Las elipsis en el texto pasan casi desapercibidas, por la excelente labor de los actores de marras.

La fotografía de Andrij Parekh es relevante: los planos / contraplanos y la multiplicidad de opciones que dan los distintos objetivos, es de una riqueza estética asombrosa. La captación de los asimétricos escenarios por los cuales los protagónicos “hablan y se expresan”, signan el dinamismo del guión.

Realismo y naturalismo, un binomio exitoso a lo largo del film es la madurez y sinceridad que tamiza Cianfrance a las opuestas personalidades. Honestidad visceral a la hora de describir los momentos que pasa una relación humana. Honestidad y emoción que trasciende una estética exigente en pos de resultados sensibilizadores.

El título de la película augura un metraje romántico, que en apariencia se eclipsa. Pero una anatomía más profunda, devela el sentir de las palabras y los hechos: vivir el presente permanente; interpelando a un pasado que despunta las rosas y espinas del futuro.

Gustavo Contarelli

Puntaje del film: 4Tribunas

Puntaje actor protagónico: Michelle Williams (Cindy) 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas: excelente/imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta - buena

2 Tribunas: regular

1 Tribuna: mala/pésima